Clase 14: Fecha: 17 / 06
El próximo 17 de junio, FERIADO, es el llamado Paso a la Inmortalidad de Martín Miguel de Güemes
Clase 15: Fecha:24/06/2022 EL CINE POSMODERNO – su Influencia en América Latina
Modos de contar / estrategias cinematográficas del cine posmoderno.
El cine posmoderno o postmoderno se corresponde con una época que va desde finales de los años 80 del siglo XX hasta la actualidad y está basado en el eclecticismo y la mezcla de características de diferentes estilos cinematográficos ya creados. Referirse a las características posmodernas del cine latinoamericano no implica solamente aspectos técnicos o formales, sino con la esfera de lo político y de lo ideológico. Este cine manifiesta un fuerte pesimismo, acompañado de un humor corrosivo, incorporando lo lúdico, y la propia representación de la realidad.
Estructura de la clase:
- ¿Qué es el Posmodernismo?
- De “la muerte de los grandes relatos” y “el fin de la historia” (De Lyotard a Francis Fukuyama)
- El individualismo, rechazo al racionalismo y verdades absolutas, el “pastiche”
- Características de la posmodernidad como estética.
- Características a nivel cinematográfico
- Europa y América dos modelos de representación.
- El cine Latinoamericano del código realista al código posmoderno.
POSMODERNISMO CINEMATOGRAFICO.
MODOS DE CONTAR / ESTRATEGIAS CINEMATOGRÁFICAS DEL CINE POSMODERNO.
¿Qué es el Posmodernismo?
De “la muerte de los grandes relatos” y “el fin de la historia”
(De Lyotard a Francis Fukuyama)
La palabra posmodernidad acude al prefijo “POS”, la Posmodernidad es algo que viene después de la Modernidad.
La Posmodernidad comienza a tener un auge muy potente después de la caída del Muro de Berlín (1989), que en realidad estas filosofías habían prefigurado.
El libro iniciático de las filosofías Posmodernas es del fenomenólogo francés Jean François Lyotard (1924 /1998) que se llama “La condición Posmoderna”, en el que empieza diciendo que esto es un análisis sobre el saber en las sociedades desarrolladas y concluye que en realidad en estas sociedades es donde se acumula más el saber, provocando más acumulación de poder. Lyotard tiene otro libro que se llama: “La Posmodernidad explicada a los niños” (1986), donde explica en un texto llamado “misiva sobre la historia universal”, donde enumera los grandes relatos que se han impuesto hasta ese momento en la civilización occidental y va a decretar “la muerte de los grandes relatos”.
Lyotard dice que hay cuatro grandes relatos:
El Gran Relato es una promesa de un destino inexorable de la humanidad de llegar a determinado momento en que ya no va a haber injusticias ni padecimientos.
1 El relato cristiano, que es el relato donde Dios manda a su hijo a sufrir y morir por la redención de los hombres, esa muerte genera la promesa divina que todos los hombres se encontraran en el reino de los cielos y habrá entonces un espacio de plenitud.
2 El relato Marxista, en resumen, la burguesía liquida al feudalismo y de la burguesía surge el proletariado y el proletariado derrota a la burguesía y establece el estado de la plenitud. Aquí vemos que este relato también lleva a la plenitud en el cual no hay padecimiento.
3 El relato del iluminismo es aquel que, con el surgimiento de la divinidad de la razón durante la Revolución Francesa, iniciadas por los enciclopedistas (Kant, Voltaire, etc.), pone a la razón como diosa de la historia, entonces, la divina razón es la que va a llevar a todos los hombres a un mundo de profunda racionalidad en la cual ya no va a existir la irracionalidad.
El relato del Capitalismo. Este es un relato del triunfo del capitalismo, del racionalismo capitalista, que anuncia la burguesía capitalista del iluminismo. El relato capitalista dice que vamos a llegar un momento de la historia en que la prosperidad va a ser para todos.
Lo común de estos cuatro relatos, es que expresan una visión teleológica de la historia.
La palabra griega TELOS, significa FINALIDAD, LOGIA en Teología, es el estudio de los FINES, quiere decir que van hacia un fin.
Estos grandes relatos existen para legitimar siempre algo, el gran relato marxista legitima la revolución del proletariado, es esencial para llegar a la plenitud de la sociedad sin clases.
El gran relato capitalista legitima la economía capitalista, el libre mercado, para llegar a un estado de plenitud en el que va a alcanzar para todos.
El gran relato iluminista lo que legitima es la razón, vamos a llegar a un estadio racional en el cual todos vamos a ser plenamente felices.
Estos grandes relatos, están basados en historias que tienen un devenir necesario, la historia marcha hacia un lugar de plenitud, hay aquí una interpretación metafísica de la historia, contra las cuales Lyotard y todo el posmodernismo, van a envestir.
La muerte de los grandes relatos implica que hay pequeños relatos, lo que va a postular la posmodernidad es, o el no relato que es en estética narrativa cinematográfica se ha utilizado el no relato, en música hubo un interprete norteamericano que hizo una pieza absolutamente memorable que todavía se sigue interpretando o se la tiene como el epitome de la música contemporánea, el compositor John Cage (1912 / 1992) compuso una obra llamada “4 minutos 33 segundos (1952)”, que consiste en lo siguiente:
“Esta el teatro lleno, hay un piano, y hay un reloj sobre el piano, el pianista viene, saluda, se sienta, no toca el piano, mira el reloj y cuando pasan 4 minutos 33 segundos, se levanta y saluda al público, el público aplaude y esa ha sido la sonata de John Cage, en tres movimientos titulada 4 minutos 33 segundos”. La idea es genial, pero se agota en si misma, es la idea del NO RELATO.
Lo que van a hacer los posmodernos, es que, a la muerte de los grandes relatos, le van a oponer la exaltación de los pequeños relatos.
Entonces surge una FRAGMENTACION DE LA HISTORIA, un kaleidoscopismo, y a esto Gianni Vattimo, un filósofo italiano, va a proponer una filosofía de dialecto,
dice: "la historia es como el dialecto, son distintos dialectos que tienen que comunicarse entre sí, pero NO HAY UN GRAN DIALECTO, como había en el gran relato, NO HAY UN GRAN RELATO, hay montones de dialectos, que establecen comunicación que a veces se entienden y a veces no", esta especie de multiplicidad, es la historia, porque la historia, para los posmodernos, ES UNA MULTIPLICIDAD DE HECHOS, no es una historia única que se desarrolla como en Hegel y en Marx, es una multiplicidad de hechos que cada uno tiene su centro en sí, todo esto va a dar lugar al MULTICULTURALISMO, al respeto por los géneros diversos, al respeto por las diversas etnias, al respeto por todas las minorías (sexuales, raciales), respeto por el feminismo, etc.
Hay una estética de la diferencia, hay una exaltación de lo diferente y esto también esta expresando la DEMOCRACIA LIBERAL DE MERCADO, no es casual que estos filósofos, surjan y tengan un éxito poderosísimo luego de la caída del Muro de Berlín, y también antes como prenunciando el triunfo del NEOLIBERALISMO, el MERCADO es una PLURALIDAD de intentos dentro del campo económico del mercado, el mercado se ordena a si mismo, y la democracia es la pluralidad por excelencia en la cual, todos los sujetos políticos valen lo mismo y deben ser todos tratados con el mismo valor.
Entonces surge una FRAGMENTACION DE LA HISTORIA, un kaleidoscopismo, y a esto Gianni Vattimo, un filósofo italiano, va a proponer una filosofía de dialecto,
dice: "la historia es como el dialecto, son distintos dialectos que tienen que comunicarse entre sí, pero NO HAY UN GRAN DIALECTO, como había en el gran relato, NO HAY UN GRAN RELATO, hay montones de dialectos, que establecen comunicación que a veces se entienden y a veces no", esta especie de multiplicidad, es la historia, porque la historia, para los posmodernos, ES UNA MULTIPLICIDAD DE HECHOS, no es una historia única que se desarrolla como en Hegel y en Marx, es una multiplicidad de hechos que cada uno tiene su centro en sí, todo esto va a dar lugar al MULTICULTURALISMO, al respeto por los géneros diversos, al respeto por las diversas etnias, al respeto por todas las minorías (sexuales, raciales), respeto por el feminismo, etc.
Hay una estética de la diferencia, hay una exaltación de lo diferente y esto también esta expresando la DEMOCRACIA LIBERAL DE MERCADO, no es casual que estos filósofos, surjan y tengan un éxito poderosísimo luego de la caída del Muro de Berlín, y también antes como prenunciando el triunfo del NEOLIBERALISMO, el MERCADO es una PLURALIDAD de intentos dentro del campo económico del mercado, el mercado se ordena a si mismo, y la democracia es la pluralidad por excelencia en la cual, todos los sujetos políticos valen lo mismo y deben ser todos tratados con el mismo valor.
Como vemos el posmodernismo es un amplio movimiento que tiene que ver con la economía, con la historia, con el feminismo, con el respeto a los modos de sexualidad diferenciadas, y con el multiculturalismo que en este momento reina en las academias norteamericanas.
¿Cuáles son las principales criticas que recibe el posmodernismo?
Las mas duras se refieren a una “excesiva desconstrucción de la historia”, el posmodernismo deconstruye la historia porque se hermana con Jacques Derrida (1930 / 2004), el campeón de la deconstrucción, y discípulo directo de Heidegger, y en Heidegger esta el concepto de destrucción, por eso este filosofo es el mas importante en la filosofía contemporánea.
Si tomamos la totalización de la historia, nos preguntamos, como vamos a trasformar la historia, si la historia es un caos, vertiginoso, de multiplicidades. Entonces lo que se les dice a los posmodernos es, acá hay persistencias históricas, no hay una linealidad histórica. El golpe al posmodernismo se lo da el imperio norteamericano que ampara a las academias en las cuales el posmodernismo triunfa, con la idea de la globalización.
Cuando el imperio necesita de la globalización, se enfrenta a los posmodernos que están hablando constantemente contra la idea de totalización, están exaltando lo fragmentario, y de ahí deducen el mercado, de ahí deducen la democracia liberal de mercado, y todo eso no nos conviene, hay que globalizar, esto es un imperio y necesitamos globalizar, pero lo peor es que hace su aparición en la escena, el hasta ahora malo de la película, “El Oriente”, sin embargo de ese territorio negado, llega el atentado alas torres gemelas, y con esto barre la fragmentación posmoderna, porque establece un acontecimiento universal, porque expresa que “Hay hechos que son universales”, ahí, la multiplicidad, la fragmentación , murió, hay un hecho universal, hecho que los eclipsa, el siglo XXI acaba con los posmodernistas, y esta demostrando que el belicismo necesita totalizar y que la lucha, es lucha de civilizaciones, tal como lo dice Samuel Huntington, en su libro “El choque de las Civilizaciones”, donde plantea el Islam y el Occidente, y aparecen los fundamentalismos, que son la negación de los pluralismos, todo fundamentalismo es la exaltación de una verdad; el fundamentalismo Islámico, es la exaltación de la palabra de Alá, y el fundamentalismo occidental, es la fundamentación del cristianismo occidental, de Dios, y Bush en el 2001, cuando dijo en los días del atentado (o autoatentado) de las torres gemelas en una de sus frases mas excepcionales dice: “Dios no es neutral, Dios está con nosotros”. Esta declaración expresa un exceso de “religión Bélica”, en el Siglo XXI, murieron todas las pluralidades, hay fundamentalismos religiosos por todas partes, todos están armados con bombas atómicas, resurge China, resurge Rusia, Pakistán, Corea, hay una múltiple polaridad nuclear pre- apocalíptica.
El choque de civilizaciones y el terrorismo, es un tremendo totalizador.
La posmodernidad y el fin de la historia -
Francis Fukuyama
El posmodernismo, es el movimiento artístico, sociológico y cultural que surgió para cuestionar los paradigmas de la sociedad moderna.
Antes del Postmodernismo, el Modernismo buscaba una sociedad basada en progreso y orden, se creía que dicho progreso se lograría solo con la ciencia, la lógica y la razón. La razón, era el ente que gobernaba, no existía valor en la subjetividad, pues aquello que existía, solo se podía definir si era perceptible por los sentidos.
En la segunda mitad del siglo XX, la tecnología y la ciencia fueron sumamente importante en el progreso de la sociedad, avances en la medicina prolongaron la esperanza de vida, la comunicación era cada vez más expansiva y abrió las puertas a la globalización. Sin embargo, la humanidad no se encontraba satisfecha, una identidad incierta, el acecho de nuevas enfermedades (-la era del SIDA en 1981-) y un crecimiento desmesurado de la población y las ciudades, fueron factores para que la sociedad se cuestionara la forma en la que viven y piensan.
El postmodernismo surge entonces del desencanto por las ideas del modernismo, propuso el individualismo como camino hacia el progreso, rechazo al racionalismo y verdades absolutas, ahora todo era subjetivo, pues la idea de realidad ya no se podía percibir exclusivamente con los sentidos.
En el arte, la nostalgia fue un punto clave, creían que ya todo había sido creado, así que el camino que tomaron fue el de extraer elementos de obras pasadas y juntarlos en una sola, es decir: “hacer un PASTICHE”.
Ahora veamos cómo se ha manifestado el postmodernismo en el cine: Puede que la historia no se presente en el orden cronológico o exista una simultaneidad de acciones, se utilizan flash backs o una relación de causa- efecto invertida: “PULP FICTION” (1994 – Quentin Tarantino), es un gran ejemplo de esto, tres historias dentro de una sola, presentadas fuera de la secuencia temporal tradicional; “PULP FICTION”, usa elementos del cine negro, gánster, crimen y sobre todo el género literario del “Pulp”, “BLUE VELVET” (1986 – David Lynch), también retoma el cine negro.
Se hacen referencia a obras y autores del cine Clásico, se utiliza la técnica del “pastiche”, se toma algo que ya se ha visto, y se intenta rodarlo de un modo distinto.
Ejemplos: la escena del baile en “8 ½” (1963 – Federico Fellini) y “PULP FICTION” (1994 – Quentin Tarantino)
La escena del auto del escape de Marion en “Psycho” (1960 -Alfred Hitchcock) y “PULP FICTION” (1994 – Quentin Tarantino), escena del auto, Marcellus Wallace contra Butch (escena de choque y persecución de automóviles)
Los personajes rompen la barrera de la realidad, y se encuentran en una realidad sublime, dudamos del contexto en que se nos presenta.
Ejemplos: “INCEPTION” (2010 -Christopher Nolan), la historia se desarrolla en la realidad y posteriormente en los sueños y los sueños dentro de los mismos sueños, al punto que no sabemos adonde culmina.
“VANILLA SKY” (2001 -Cameron Crowe), también queda a nuestra interpretación, a la interpretación del espectador y da paso a la autorreflexión.
Los valores son subjetivos, es fácil salirse de los lineamientos de la sociedad y pasar a ser un villano.
Ejemplo: “AMERICAN PSYCO” (2000 – Mary Harron), “EL CABALLERO DE LA NOCHE” (The Dark Knight -2008 - Christopher Nolan),
Los héroes se muestran vulnerables, no siempre ganan y tiene muchas desventajas. Temas que antes eran un tabú, se muestran sin restricciones, y a menudo en forma de exceso, el sexo, la violencia y las drogas funcionan como soluciones rápidas a problemas postmodernos.
En “PULP FICTION” (1994 – Quentin Tarantino), la violencia es normal a pesar de que irónicamente sea alarmante cuando se comete de manera accidental.
la cultura estadounidense esta constantemente presente, los suburbios, la ciudad de Nueva York, Wall Street, drogas, dinero, son aspectos de la cultura popular y comercial que se exploran dentro del tema.
El personaje que se siente solo en la gran y caótica ciudad, que no se identifica con su entorno.
Ejemplo: MIDNIHT IN PARIS (2011 -Woody Allen),
El amor ideal sería esa persona que comprende al personaje de entre miles de personas.
Los personajes están en constante duda de su identidad, buscan encajar o encontrarse a si mismo. Les resulta difícil hacerlo en un mundo cada vez más saturado.
Se requiere proyectar una realidad más allá de la que conocemos.
La Ciencia Ficción ha sido uno de los géneros más explotados. Se exploran temas de viajes en el tiempo, alienígenas o seres genéticamente manufacturados, a través de una mezcla de lo familiar con lo extraño, podemos reflexionar sobre aspectos de la condición humana, pues en un contexto construido, es más fácil aislar ciertos problemas y reflexionar sobre ellos.
Ejemplo: BLADE RUNNER (1982 – Ridley Scott), es ciencia ficción presentada en una sociedad futurista distópica del 2019, a Rick Deckard, el personaje principal, le han encomendado la misión de aniquilar a los llamados “Replicante”, unos seres genéticamente construidos, pero con aspecto de humanos, lo humano más allá de lo humano. Mediante la figura del “Replicante” , quienes terminan siendo los que reflejan los problemas de los humanos, podemos ver la búsqueda de una identidad, el distanciamiento moral, la soledad y el miedo.
En otro espectro tenemos: HER (2013 -Spike Jonze), también situada en Los Ángeles del futuro, el avance de la tecnología y el diseño han facilitado la vida inmediata, sin embargo, la sociedad se encuentra fragmentada, cada quien demasiado preocupado sobre si mismo, donde la gente se aísla y se siente sola, de ahí que el sistema operativo como Samantha haya tenido tanto éxito.
HER, toca varios temas que conciernen a la postmodernidad: critica y propone que esa misma dependencia a la tecnología, es un autosabotaje y que la individualización del ser, es lo que lleva a la soledad.
RESUMEN DEL MODELO DE REPRESENTACIÒN DEL POSTMODERNISMO.
El Postmodernismo cuestiona todo el proyecto occidental que viene de la ilustración S.XIII, se basaba en la preminencia de la razón, una ideología global del mundo y en el progreso.
La postmodernidad cuestiona todo esto.
Características de la postmodernidad como estética.
Pensamiento débil, no hay creencia en una verdad global.
Fin de la historia: la historia como progreso no tiene sentido.
Imposición de la fragmentación, eclecticismo y relativismo: Los puntos de vista son provisionales, subjetivos y fragmentarios.
Prima el espectáculo sobre la estética.
Estilización de la vida: predomina la estética sobre la vida.
La mirada irónica sobre la realidad: humor, parodia, desmitifica la realidad.
Características a nivel cinematográfico:
Desmitificación del discurso y del relato: punto de vista humanístico, interpretación personal (perdida de interpretación).
Heterogeneidad o hibridación de géneros y lenguajes.
Papel dominante de la violencia: violencia cuotidiana con un trato que rechaza el discurso moral.
Podemos encontrar un modelo Europeo y Americano de modelo de representación:
El modelo Europeo es más de culto y está apoyado en rituales.
Directores de corriente Europea:
Greenaway, Karax, Kauriwaki, Botelho
El modelo Norteamericano es un kitch postmoderno más popular y comercial.
Tarantino, Egoyan, Rudolphy.
Hay dos tipologías o dos tendencias de películas:
Tipología de la nostalgia e imitación de películas de referencia como:
“American graffiti” (1973), “La guerra de las galaxias” (1976)
Otra tipología son las que siguen el modelo de relato discontinuo, diverso e híbridos de géneros como:
“Blade Runer” (1982), “Brazil” (1985), “Blue Velvet” (1986)
Nota Final:
Estos filmes de autorreflexion, parecen tener puntos en común cuando se trata de explicar la infelicidad del ser humano y son temas con los que lidiamos día a día, sin embargo, parecen ser los mismos paradigmas del postmodernismo.
¿Realmente el camino al progreso es individual?, ¿nos encaminamos directamente a una realidad que ya nos han contado antes las películas futuristas?, parece que nuestras mismas soluciones inmediatas son las que nos limitan, tal vez ya sea tiempo de nuevos paradigmas, otra visión del arte, especialmente en el cine o seguiremos viendo constantemente adaptaciones, remakes o secuelas de películas que salieron hace mas de dos décadas.
CASO 1 “RÉQUIEM POR UN SUEÑO”
Movimientos de cámara conocidos como “Pole Cam”
"Réquiem por un sueño" (Requiem for a Dream, EEUU- 2000), dirigida por Darren Aronofsky (π) y protagonizada por Jared Leto, Ellen Burstyn, Jennifer Connelly y Marlon Wayans.
Sinopsis: Harry Goldfarb es adicto a la heroína. Su vida gira en torno a su adicción, una adicción que ha acabado por aislarle del mundo exterior. Junto a su novia Marion y su mejor amigo Tyrone, también drogadictos, ha creado un paraíso artificial en el que nada es lo que parece. En busca de una vida mejor, el trío queda atrapado en una espiral de caídas, angustia y desesperación. La madre de Harry, Sara, tiene otro tipo de adicción: la televisión. Viuda desde hace años, vive en Coney Island sin más compañía que la de su amado televisor. Sueña con participar en su concurso favorito, y para ello debe perder peso, pues no puede acudir al programa sin su preciado vestido rojo. Su nueva dieta le acaba por atrapar.
Temática: Adicciones al sexo, la Heroína y la Televisión, Monologo sobre la vejez. Adaptación del libro “Last Exit to Broohkyn” de Hubert Selby Jr.
Rasgos postmodernos:
Inicio confuso, no está claro que estamos viendo una pantalla de televisión.
2 Se divide la imagen para mostrarnos dos puntos de vista.
Descontextualización, nos emos situado en una historia donde no conocemos las variables que influyen a los personajes.
4 No se comprende a que se debe la personalidad de los personajes.
5 Narrativa no lineal.
6 Se necesita más información para entender el contexto.
La “Pole Cam”
Una película normal tendría entre 600 y 700 planos, esta tiene cerca de 2000. La edición rápida y la multiplicidad de planos aumentan el dinamismo y ayuda al espectador a vivir la locura y lo que sufren los personajes.
El sonido, tiene un especial trabajo de Folley.(1)
Los movimientos de cámara son conocidos como “Pole Cam”. En los cuales la cámara está pegada a los actores y ellos caminan con ella. En la película se utiliza esto tres veces, con Marlon Wayans, con Ellen Burstyn y con Jennifer Connelly.
Otros planos que llaman la atención son los cortes rápidos o planos de inserto. Además, sirven para narrar algo con rapidez. En “Réquiem Por un Sueño” se utiliza esto, mostrando planos cerrados de Pastillas y otros elementos.
Hay además planos en homenaje a una película animada japonesa, “Perfect Blue” de 1997, la cual Aronofsky consiguió los derechos de hacer la adaptación solo para una escena en particular. La escena es cuando Jenifer Conelly está en la bañera sentada y devastada porque se acostó con un hombre solo para conseguir drogas. Es una narrativa que se soporta en las imágenes, es una propuesta muy visual e interesante.
La música es muy importante en el filme. Sobre todo, por la canción "Lux Aeterna" del compositor habitual del director, Clint Mansell.
En el final, todos los personajes acaban mal y acostados en posición fetal. No hay un final feliz. El tema de las drogas y el sufrimiento y padecimiento que viven sus personajes, son tratados de una forma muy cruda y real.
(1) Los denominados efectos Foley son aquellos efectos que buscan la recreación de sonidos que por diversos motivos no fueron recogidos en el momento de la grabación de la escena.
CASO 2 “BIRDMAN” o (la inesperada virtud de la ignorancia)
Tráiler BIRMAN
“BIRMAN” le valió al director mexicano Alejandro González Iñárritu, una serie de premios que culminaron con el Oscar al mejor director y mejor película en 2015. Con este trabajo Iñarritu dejo un estilo y de paso aporto su pequeño grano de arena en la historia del cine.
La Historia:
“Birman” nos cuenta la historia de un actor olvidado, interpretado por otro actor olvidado, Regan Thompson al igual que Michael Keaton, interpretó a un superhéroe en los `90 y desde entonces su carrera ha ido en picada, es por eso que se ha lanzado con todo lo que le queda en el mundo, a escribir, dirigir y protagonizar una obra de teatro, con tal de demostrar que es un actor de verdad, la gracia esta en como se nos cuenta esta historia.
La película comienza con Riggan Thompson en posición de loto, elevado unos centímetros del suelo, de pronto escuchamos una voz en off grave que comienza a cuestionar al protagonista.
¿Cómo terminamos aquí?
Después entra una llamada de Skype (la llamada establece en que época tiene lugar la historia), y vemos que tiene una relación conflictiva con su hija:
¡Odio este trabajo!
La primera vez que vemos el rostro de Riggan, es al mismo tiempo que la cara de “Birman” (la posición de Birman demuestra la superioridad y dominio sobre Riggan), anunciando una dualidad entre ellos dos y que no existe uno sin el otro. De pronto llaman a Riggan al escenario y cuando sale de su habitación, comenzamos a notar el Plano Secuencia.
Al Plano Secuencia lo podemos definir como una secuencia filmada en continuidad, sin cortes entre planos, en ella la cámara se mueve siguiendo la acción hasta la finalización de dicha secuencia.
La manera convencional de grabar es usando varias cámaras y alternar entre un plano y otro, por lo normal vemos: cámara 1(plano), cámara 2 (contra plano) y cámara 3 (situación de la escena); pero en el plano secuencia, tenemos una sola cámara y estaba siguiendo toda la acción mediante distintos movimientos.
(Rope (La soga) Making of)
El plano secuencia, lo hemos visto en gran cantidad de películas. En 1948, con “La soga” (“Rope”), una película de Alfred Hitchcock, la intención del director era filmarla en una sola toma de principio a fin, pero como los rollos de la película no eran tan largos y por ende duraban poco, tubo que componer su película con varios planos secuencia y compaginarlos de tal manera que parecieran una sola toma; para disimular esos cortes, entre una toma y otra, tuvo que “disfrazarlos”, cada vez que la pantalla se ponía completamente negra, hacia el corte y la siguiente toma comenzaba desde ahí.
Bajo ese principio, está construida “Birman”, de diversos planos secuencia, unidos de manera digital que simulan ser una sola toma. A diferencia de Hitchcock, el trabajo de Iñarritu no intenta simular que todo sucede en tiempo real; vemos que hay saltos de tiempo y espacio, y la historia sucede durante varios días. En “Birman”, los cortes están escondidos de varias formas, además de cuando todo en la pantalla es negro, los hay durante los movimientos rápidos de cámara, ya que es justo en ese momento cuando no piensas en un corte, también los vemos cuando hay mucha luz o cuando pasan largos lapsos de tiempo como el día y la noche; los cortes se hacen de manera muy clara cuando se cambia de espacio, por ejemplo cuando se pasa de la pantalla del celular a la pantalla del bar.
O cuando la cámara atraviesa “mágicamente” los barrotes de la ventana. Podría decir que el único corte evidente de toda la película es donde desabrocha de manera repentina, el botón de la camisa de Riggan, después de cruzarse una persona ante cámara, (un pequeño error de vestuario). Es importante notar que los cortes en “Birman” no solo se hacen por comodidad, si alguien conoce los principios básicos de la fotografía, sabrá que no es lo mismo filmar o grabar en interiores que en exteriores, la cámara necesita una configuración distinta, así que cuando se hace el corte, se reajusta la cámara y se sigue a la otra toma.
¿Cuántos cortes hay en la película?, en internet comentan que existen 58 cortes, habiendo tomas que duran muy pocos minutos y otras que duran cerca de 10 y 15, seguramente hay más, pero a todo esto: ¿para que sirve el PLANO SECUENCIA?, es obvio que no debe usarse solo para que muestre sus proezas técnicas, en “BIRMAN”, el plano secuencia refleja el agobio que siente Riggan mediante tomas muy largas, como si la película se tratara de la misma obra de teatro que está intentando poner a flote y que constantemente hace eco en su vida, tanto así que en el momento mas bajo de Riggan escucha como un borracho de la calle replica casi con exactitud uno de los diálogos de los primeros minutos, antes que el farol golpee al actor en escena:
Borracho / dialogo del actor:
- ¿Fue demasiado?, Solo intentaba darte una gama…
- Fue demasiado…Lo sé por tu…
Hay que notar otra gran influencia en “BIRMAN”: el director francés JEAN-LUC GODARD.
Iñarritu, le rinde un par de tributos como la manera en que se presentan los títulos de los créditos similares a los de “Pierrot le fou” (Pierrot el loco -1965),
“Pierrot le fou” (Pierrot el loco - JEAN-LUC GODARD -1965)
Pierrot le fou & Birdman | Opening titles
La escena inicial del cielo, “Every Man for Himself” (Salve quien pueda, la vida -en francés “Sauve qui peut (la vie)” - Godard - 1980), el uso del plano secuencia como en “Alphaville” (Godard – 1965), o contratar actores cuya vida personal se asemeje al argumento de la película, incluso, la voz en off de “Alphaville”, evoca la voz en off en “Birman”.
La letra (i) en el título de “BiRMAN”
La letra (i) en el título de la película es minúscula, esta letra es, tipográficamente hablando, lo mas parecido a la figura humana, y será casualidad o no, pero vemos su uso en otras películas de temáticas similares. Además de la letra (i) minúscula utilizada en el cartel que tiene en común:” White Chicks”, “Lizzie McGuire”, “Yo robot” e “Inteligencia Artificial”?
Todas, al igual que “BIRMAN”, tratan sobre problemas de identidad, de manera diferente, pero por alguna razón, el recurso está ahí.
Resumiendo, la (i) minúscula es una representación del ser humano y por alguna razón, se usa en los carteles de películas para anunciar, muy de fondo, un problema de identidad.
En “Birman”, desde el principio, hasta el final de la película, nos plantea la idea de que Riggan, tiene una especie de poder telequinético, es claro que no es real, sus poderes parecen ser una cosa imaginaria, pero, más allá de ser verdaderos o no, funciona como representación del talento en potencia de Riggan, como algo que esta oculto y que sólo él puede ver, esta idea se refuerza al final cuando ha conseguido lo que quería y finalmente alguien puede ver de lo que es capaz.
En la escena donde Riggan ha tocado fondo, y ha decidido aceptar su identidad como Birman, y cuando finalmente le vemos nos planta su cara, rompiendo la cuarta pared, y se dirige, no a Riggan, sino al espectador, criticando como nos encanta la acción y no la verborrea filosófica, las palabras de Birman, no están lejos de ser un insulto:
Birman:
- ¡A ESO ME REFIERO!, HUESOS ROMPIÉNDOSE, GRANDE, RUIDOSO, RÁPIDO. MIRA A ESTA GENTE, MIRA SUS OJOS, ¡ESTÁN BRILLANDO!, AMAN ESTA MIERDA!, ¡AMAN LA SANGRE!, AMAN LA ACCIÓN!, ¡NO ESTÁ HABLADURÍA DEPRESIVA Y FILOSÓFICA DE MIERDA!
Las palabras de Birman, son una critica a la industria del cine de superhéroes, que funciona como algo mas bien escapista, algo que nos distrae de este complejo mundo en el que vivimos, pero que por miseria decidimos ignorar.
Primero, el “Mata” metafóricamente a la audiencia, al disparase, el contraste del ruido producido por el arma y el silencio del público es lo que da impacto a la escena.
Riggan Thomson despierta en un hospital y este es un contraste directo a la secuencia inicial, volvemos a ver su rostro por primera vez, pero ahora no hay Birman a su lado, pues la dualidad se ha terminado, su relación con su hija ha mejorado, y ahora es un actor venerado. Mas adelante, de nuevo frente a un espejo, se quita las vendas como si se quitara una máscara, revelando así un nuevo rostro y a un nuevo Riggan, tanto de manera física como psicológica, porque por fin puede dejar atrás a Birman y emprender su vuelo.
Al final, que se esta volando o no, no es la cuestión principal, es representación de su potencial y de como al final, alguien lo puede ver y apreciar, no se debe tomar como algo literal, el punto aquí es que se ha superado y ha trascendido.
Muy de fondo, lo que dice Birman, aplica en la vida del director del filme, Alejandro G. Iñarritu, como dice la cita del principio, ¿consiguió lo que quería?, creo que sí. Y no sele olvida que es mexicano y metió un carrito de tamales oaxaqueños en pleno Nueva York.
Birman es un mensaje positivo de como debemos aceptarnos para poder superar quienes somos y convertirnos en mejores seres humanos.
Notas de Herminio Orequi.
“La Fuente” (2006- dirigida por Darren Aronofsky)
“Donnie Darko” (2001)
Coherence (2013)
Triangle (2009)
Mr Nobody (2009)
El Atlas de las nubes ( 2012)
NOTAS:
“Every Man for Himself” (Salve quien pueda, la vida -en francés Sauve qui peut (la vie) - Godard - 1980) https://archive.org/details/JeanLucGodardSalveseQuienPueda
BIBLIOGRAFIA:
El Nuevo Hollywood y la posmodernidad: entre la subversión y el neoconservadurismo
Ensayos sobre posmodernismo fredric jameson
BIRDMAN: análisis (explicando el final, el plano secuencia y los cortes) | cine para milenials
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