Clase 9: Fecha: 22/05 Las Cinematografías Europeas / Neorrealismo
Italiano. Alemania Los 11 Principios de Goebbels, Leni
Riefenstah, El cine español del franquismo, El cine libertario, Las bases del
neorrealismo italiano nacen dentro del fascismo, que es el Neorrealismo
Italiano, temas narrativos, cine en la posguerra en Italia, características del
Neorrealismo, aliados y detractores del neorrealismo italiano, el legado del
Neorrealismo.
Bibliografía: Pio
Caro, El neorrealismo cinematográfico italiano
RECORDATORIO DEL MANEJO DE ESTA AULA VIRTUAL:
Cada CLASE será desarrollada en la primera parte, donde se vincularán los ejemplos, la bibliografía, y una guía de preguntas sobre el materia desarrollado para responder en forma de autoevaluación. Este cuestionario y cuaderno de investigación deberán copiarlo de este blog y guardarlo ya respondido en una carpeta formato word, clase a clase.
INSTRUCCIONES PARA EL USO CORRECTO DEL CUESTIONARIO Y CUADERNO DE INVESTIGACIÓN
Antes de entrar en materia, tenga en cuenta las siguientes instrucciones para la correcta utilización de esta tarea:
1.° Trate de responder a cada una de las preguntas subrayando de la respuesta que se sugieren, la que considere cierta después de haber leído la clase a las que corresponden y si la respuesta no la encuentra deberá investigar por cuenta propia la respuesta.
2.° Es posible que tenga que visualizar y analizar una película, en principio se le ofrecerán una guía de preguntas que le servirán para el análisis y punto de vista que desde el que se requiere dicho análisis.
3 º En lo posible integraré links de juegos para que puedan evaluar su conocimiento en una forma un poco más divertida.
LOS AÑOS ´40: LA DÉCADA SINIESTRA /NEORREALISMO ITALIANO
INVASION DE POLONIA-EN LINEA DE TIEMPO-
SEGUNDA
GUERRA MUNDIAL
Desde que el 1 de
septiembre de 1939 estallara la Segunda Guerra Mundial, en
lo que a industria cinematográfica se refiere, la realidad se convierte en la
principal inspiración de la ciencia ficción.
Por esas curiosidades históricas, también, el 1
de septiembre de 1939 se inauguraba el Festival Internacional
du Film (Cannes), poniendo fin al festival que tan solo duró un día y que
no se retomó hasta el fin de la contienda.
Ya desde los primeros
combates, y el efecto de sus atrocidades, no lograron que ni las películas más
evasivas pudieran conseguir que los espectadores pudieran olvidarlo.
Hollywood hizo la mayor apología de la conflagración:
protagonizaron anuncios para la compra de bonos de guerra, realizaron documentales
sobre el conflicto y 23.000 profesionales de la industria cinematográfica estadounidense
se alistaron en las fuerzas armadas. Fue entonces cuando el cine bélico y
“didáctico” (enseñando quienes son los buenos y quienes los malos) comenzó su
edad dorada, que tuvo en la Segunda Guerra Mundial su principal
escenario, llegando hasta los años ´60.
LOONEY TUNES | ¿Algún bono hoy? (Bugs Bunny) |
1942 | Español Latino
La producción cinematográfica Alemana, fue
mucho menos alusiva a la barbarie del conflicto que la industria
estadounidense. La pantalla alemana osciló entre la propaganda antibritánica y
antisemita de los noticieros y las películas de ficción.
Con la cinematografía
alemana en crisis, el cine francés se convierte en el más
importante en Europa. Aunque había perdido su inicial posición a la cabeza del
cine universal tras la desaparición de Pathé-Gaumont, Francia seguía teniendo
la industria cinematográfica más sobresaliente del Viejo Continente. Allí
encontramos a directores vanguardistas y a otros que cultivan un cine más
convencional; perviven y se consolidad clásicos procedentes del período mudo
(Jean Renoir, René Clair, Jean Vigo…) y surgen nuevos nombres. Al público
francés le gustaba mucho su propio cine, lo cual ayudó bastante al desarrollo y
a la consolidación de la industria cinematográfica francesa como la única en
Europa capaz de oponerse un poco al predominio norteamericano.
La cinematografía
británica siempre ha mantenido
estrechas colaboraciones con Hollywood, con un intercambio constante de técnicos,
directores, guionistas y actores. En los años treinta, las figuras más
importantes son Alfred Hitchcock y Alexander Korda. No obstante,
la poderosa llamada de la industria Hollywoodiense acabaría por atraer a
Hitchcock, quien previamente realizó películas en su etapa británica como Treinta
y nueve escalones (1935). Además, los treinta confirmaron que los
británicos eran ya entonces unos maestros del documental y del cine
informativo, con el saber hacer de directores como Robert Flaherty.
En cuanto a Italia,
en un contexto político marcado por el régimen fascista de Mussolini, su
cinematografía se ve marcada con un cariz propagandístico, lo que impide que
florezca como en países vecinos. No ocurre lo mismo en la Unión
Soviética que, a pesar de las imposiciones ideológicas del régimen,
los cineastas logran desarrollar su trabajo con mejores frutos. No obstante, la
presión política ejercida sobre los creadores obliga en ocasiones, por ejemplo
a ensalzar la figura de Stalin.
En otros rincones del
mundo la historia del cine también sigue su curso, aunque sin mucha repercusión
en Europa o Estados Unidos. El cine japonés es prácticamente desconocido
en Occidente en aquellos años, aunque la década de los treinta ya cuenta con
autores importantes. No será hasta décadas después cuando el cine japonés u
oriental comience a expandirse por el resto de las culturas y a influenciar las
maneras occidentales de hacer cine.
HISTORIA DEL FESTIVAL DE
CANNES
El Primer festival de
cine internacional anual del mundo se inauguró en Venecia en 1932. Hacia
1938, el Festival de Cine de Venecia se había convertido en un
vehículo para la propaganda fascista y nazi, con Benito
Mussolini en Italia y Adolf Hitler en Alemania dictando las
candidaturas de películas y compartiendo los premios entre ellos.
Indignada, Francia decidió
organizar un festival de cine alternativo. En junio de 1939, se anuncia en
París el festival de cine de Cannes, que se celebrará del 1 al 20 de
septiembre.
Cannes, una ciudad elegante de
playa, se encuentra al sureste de Niza, en la costa mediterránea. Uno de
los casinos de la ciudad turística se acuerda que sea la sede del evento.
Se seleccionaron las películas y
los cineastas y las estrellas comenzaron a llegar a mediados de agosto. Entre
las selecciones americanas era el mago de Oz. Francia
ofreció El nigeriano, y Polonia El
Diamante Negro. La URSS trajo el acertadamente titulado Mañana,
es la guerra.
En la mañana del 01 de
septiembre, día en que el festival iba a comenzar, Hitler invadió
Polonia. En París, el gobierno francés ordenó la movilización general,
y el festival de Cannes fue cancelada después de la proyección de una sola
película: del director estadounidense William Dieterle: El jorobado de
Notre Dame. Dos días más tarde, Francia y Gran Bretaña declararon
la guerra a Alemania.
Segunda Guerra Mundial duró seis
largos años. En 1946, el gobierno provincial de Francia aprobó
un renacimiento del Festival de Cannes como un medio
para atraer a los turistas de vuelta a la Riviera francesa.
El festival comenzó el 20
de septiembre de 1946, y estuvieron representados 18 países. El
programa del festival incluye, del director estadounidense austríaco Billy
Wilder The Lost Weekend, del director italiano
Roberto Rossellini Roma, ciudad abierta, el
director francés René Clement The Battle of the Rails, y
el director británico David Lean Breve encuentro.
En la
primera de Cannes, los organizadores pusieron más énfasis en la estimulación
creativa entre producciones nacionales que en la competencia. Nueve
películas fueron honradas con el premio principal: Gran Premio del
Festival.
El Festival de Cine de
Cannes tropezó a través de sus primeros años; los 1.948 y 1.950 festivales
fueron cancelados por razones económicas. En 1952, el Palais des Festivals
se propuso como un hogar permanente para el festival, y en 1955, la Palme
d'Or (Palma de Oro) se convierte en el Premio a la mejor
película del festival.
En los años 1950, el Festival
International du Film de Cannes llegó a ser considerado como el
festival de cine más prestigioso del mundo.
Todavía tiene ese atractivo hoy
en día, aunque muchos lo han criticado como demasiado comercial. Más de
30.000 personas acuden a Cannes cada mes de mayo para asistir al festival,
cerca de 100 veces el número de devotos de la película que se presentó durante
los primeros Cannes en 1946.
La pandemia
de Covid-19 impide la realización del festival de Cannes 2020
Tribeca Enterprises y YouTube han anunciado We Are One: A Global Film Festival, un festival de cine digital inédito, de 10 días de duración, que tendrá lugar de manera exclusiva en YouTube y reunirá a una comunidad internacional de contadores de historias para presentar la programación del festival de manera gratuita para las audiencias de todo el mundo.
El festival, que comenzará el 29 de mayo de 2020 en YouTube.com/WeAreOne, contará con programación seleccionada por los festivales de Annecy, Berlín, Cannes, Guadalajara, Jerusalén, Karlovy Vary, Locarno, Londres, Macao, Marrakech, Mumbai, Nueva York, San Sebastián, Sarajevo, Sundance, Sydney, Tokio, Toronto, Tribeca y Venecia, entre otros, que ofrecerán al público historias procedentes de todo el mundo, proporcionando a los cineastas un altavoz en un escenario global.
Hitler es proclamado Führer
El cine de los años 40
Es difícil establecer una
unidad en el cine de los 40, pues existen tres períodos:
1) El primero comprende los años 1940 y 1941, antes de que Estados Unidos entrara en la guerra.
2) El segundo abarca
hasta el final de la guerra en 1945.
3) El tercero es la
posguerra y la recuperación de los cines nacionales europeos.
El fenómeno más importante de estos años es la consolidación del cine negro. La primera persona que empleó el término Film Noir (cine negro) fue el crítico de cine Nino Frank, el cual comenzó a utilizarlo en sus artículos sobre películas del Hollywood de los años 40.
Estas películas estaban marcadas por la prohibición, la gran depresión y la Guerra Mundial, y solo entraron al mercado europeo después de que ésta terminara.
El fenómeno más importante de estos años es la consolidación del cine negro. La primera persona que empleó el término Film Noir (cine negro) fue el crítico de cine Nino Frank, el cual comenzó a utilizarlo en sus artículos sobre películas del Hollywood de los años 40.
Estas películas estaban marcadas por la prohibición, la gran depresión y la Guerra Mundial, y solo entraron al mercado europeo después de que ésta terminara.
La influencia europea: Los orígenes del cine negro no
se encuentran tan solo en el cine, sino que pueden trazarse hasta otros medios
artísticos; la iluminación característica de este género, por ejemplo, está
fuertemente relacionada con la tradición técnica del claro oscuro y el
tenebrismo, y su estética, por otro lado, está claramente vinculada al expresionismo
alemán de principios del siglo XX que comprendía desde el cine, el teatro,
la fotografía y la pintura hasta la escultura y la arquitectura.
Pero en la próxima unidad
ampliaremos estos conceptos.
El cine negro
La primera voz que desde
América se alzó contra los nazis fue la de Charles Chaplin en El
gran dictador (1940). Curiosamente, Chaplin era el único cineasta
que todavía no había aceptado el cine «hablado» y ésta fue su primera película
hablada, en la que hace un discurso de siete minutos.
El gran dictador (1940) de Charles Chaplin (fragmento)
Hollywood como refugio: el cine de los exiliados
La novia de
Frankenstein, Robin
de los bosques, Ninotchka, Perdición, Solo
ante el peligro, Con faldas y a lo loco, Casablanca… Todos estos títulos figuran entre las
mejores y más grandes películas que nacieron en la época dorada del
Hollywood clásico, entre los años 30 y 60 del siglo XX, pero tienen además
una característica en común: en todas ellas intervinieron actores,
directores o músicos que se establecieron en Los Ángeles huyendo del régimen
nazi y de la persecución a las judíos que se desató en Europa antes y durante
la Segunda Guerra Mundial. La meca del cine fue, por tanto, su refugio y el
lugar en donde pudieron desarrollar libremente su enorme talento.
Se calcula que más de 800
artistas relacionados con el cine tuvieron que emigrar forzosamente desde
Alemania a Estados Unidos a partir de los años 30, coincidiendo con el ascenso
al poder de Adolf Hitler. Actores como Peter Lorre;
directores como Billy Wilder, Otto Preminger, Fred
Zinnemann o Robert Siodmak; músicos como Erich
Korngold, decoradores, guionistas, operadores de cámara… Prácticamente
todas las ramas de la producción cinematográfica se nutrieron de la aportación
de centenares de profesionales que llegaron del otro lado del océano.
Como recuerda el
documental, durante los años 20 se vivió la década dorada de la cinematografía
alemana. Películas como El gabinete del doctor Caligari demuestran
la calidad, pujanza e inventiva que tenía en esa época el cine germano. Gracias
al trabajo del productor Erich Pommer al frente de los
estudios UFA, se dieron a conocer nombres como Ernst Lubitsch o Fritz
Lang, el director de Metrópolis, un filme que, curiosamente,
era uno de los preferidos de Hitler. Títulos como El ángel azul lanzaron
internacionalmente a estrellas como Marlene Dietrich y
películas como Asfalto, dirigida por Joe May,
anticiparon toda la estética del cine negro que
posteriormente se desarrolló en Hollywood.
A partir de 1933, con la
llegada de Adolf Hitler, la mayoría de los cineastas de origen
judío fueron despedidos de sus trabajos. Comenzó así un largo y doloroso
periplo para muchos de ellos. París fue una primera escala para guionistas y directores
como Billy Wilder, los hermanos Robert y Curt Siodmak o
el compositor Frederick Hollander que, posteriormente, se
trasladarían a Hollywood.
Sin embargo su
incorporación a la industria norteamericana no fue nada fácil. El documental
cuenta las dificultades que tuvo un director tan meticuloso como Fritz
Lang para adaptarse al sistema de estudios. Joe May, otro de
los grandes pioneros del cine alemán, realizó con poco éxito Music
in the Air con Gloria Swanson. Más suerte tuvo el
compositor Franz Waxman, que en 1935 triunfó con su partitura
de La novia de Frankenstein.
Una vez en Hollywood,
estos exiliados se ayudaron unos a otros recaudando dinero para que familiares
y amigos pudieran escapar de Alemania. Cuando estalló la guerra, algunos de
ellos, como Peter Lorre y Michael Curtiz,
trabajaron en películas de propaganda bélica, claramente antinazis, como la
mítica Casablanca.
EL CINE EN EUROPA
Las Dictaduras europeas
Propaganda en el cine Nazi y Fascista
Los
11 Principios de la Propaganda de Goebbels
1. Principio de simplificación y
del enemigo único
Elegir un adversario y recabar en
la idea en que éste es la fuente de todo mal. Por ejemplo: “los inmigrantes”,
“la derecha” o "la izquierda".
2. Principio del método de
contagio
Asociar a todos los contradictores
en una misma categoría, desconociendo los matices y poniéndolos en un solo
grupo: el del enemigo único. Por ejemplo “los musulmanes” o “los terroristas”.
3. Principio de la transposición
Acusar incisivamente al adversario
de los errores o defectos propios. El ladrón llama ladrón a su adversario para
que cuando éste responda sea percibido como el clásico “ahogado que patalea”.
4. Principio de la exageración y
desfiguración.
Convertir cualquier anécdota, por pequeña y
banal que sea, en un hecho del que depende la supervivencia de la sociedad. Se
busca que cada acto del adversario sea visto como sospechoso y amenazante.
5. Principio de la vulgarización.
"Toda propaganda debe ser popular,
adaptando su nivel al menos inteligente de los individuos a los que va
dirigida. Cuanto más grande sea la masa por convencer, más pequeño ha de ser el
esfuerzo mental por realizar. La capacidad receptiva de las masas es limitada y
su comprensión escasa; además, la masa tiene gran facilidad para olvidar".
6. Principio de orquestación.
"La propaganda debe limitarse
a un número pequeño de ideas y repetirlas incansablemente, presentadas una y
otra vez desde diferentes perspectivas pero siempre convergiendo sobre el mismo
concepto. Sin fisuras ni dudas". De aquí viene también las famosas frases:
"Si una mentira se repite suficientemente, acaba por convertirse en
verdad" y "Miente , miente, miente que algo quedará. Cuanto más
grande sea una mentira más gente la creerá".
7. Principio de renovación.
Consiste en publicar noticias e
ideas que denigren del adversario, en gran cantidad y a gran velocidad. Así el
contradictor estará defendiéndose todo el tiempo.
8. Principio de la verosimilitud.
Presentar información
aparentemente sustentada en fuentes sólidas, pero que en el fondo se tergiversa
o se muestra parcialmente. De lo que se trata es de crear una gran confusión
que los ciudadanos tenderán a resolver por la explicación más simple. "Más
vale una mentira que no pueda ser desmentida que una verdad inverosímil".
9. Principio de la silenciación.
Se trata de no realizar debates
sobre temas en los que no se tienen argumentos y, al mismo tiempo, hacer
palidecer las noticias que favorecen al adversario. "Si no puedes negar
las malas noticias, inventa otras que las distraigan“.
10. Principio de la transfusión.
Valerse de los mitos o prejuicios
nacionales o culturales para despertar un componente visceral que aliente
determinadas prácticas políticas. Que las ideas terminen siendo sustentadas por
las emociones primitivas.
11. Principio de la unanimidad.
Convencer a los ciudadanos de que
piensan "como todo el mundo", creando así una falsa unanimidad.
El deseo instintivo de pertenecer a un grupo hará lo demás.
Hitler y Mussolini entrevieron en el cine un modo para difundir
sus extremismos
A partir de 1933, Josef Goebbel,
ministro de Propaganda de Hitler, canaliza las medidas destinadas a
propagar la gloria nacionalista alemana. Considerado el
medio idóneo para esta política, el cine es controlado por Goebbel, que
crea un organismo de censura, prohíbe la crítica cinematográfica y
absorbe la totalidad de los estudios de filmación.
La asfixiante situación,
agravada por el racismo y la violencia crecientes, provoca el éxodo de figuras
como Fritz Lang, Peter Lorre entre otros.
Con la guerra la
producción se centralizaba en noticiarios y en filmes sobre campañas
a otros países, verdaderos vehículos de propaganda que, bajo la
aparente fidelidad a la realidad, ensalzan la imagen de las fuerzas de guerra.
En la ficción en cambio,
despliegan su estrategia desde distintos frentes:
Los filmes de
montaña, que hacían de la pureza y la perfección del paisaje una
metáfora del ideal ario.
Federico el Grande | Hans Steinhoff | 1935
Las Historias ejemplares
para la juventud que exaltan las virtudes del nazismo. La revisión
de la figura de Federico el Grande.
Las comedias
musicales que manipulaban los símbolos de la cultura popular.
Leni Riefenstahl
Pero fueron los documentales
de Leni Riefenstahl (El triunfo de la
voluntad, 1936, y Olimpia, 1943) los ejemplos más acabados de
la ideología nazi.
Trailer EL
TRIUNFO DE LA VOLUNTAD
(Triumph
des Willens. Leni Riefenstahl) (Alemania 1935)
El cine ha sido utilizado
bastantes veces como propaganda de un determinado régimen político a lo
largo del siglo XX, o bien con mensajes subliminales o bien de manera explícita
o con documentales propios del régimen en cuestión. El triunfo de la voluntad
es un ejemplo muy característico del uso del cine como propaganda política de
un régimen político, en este caso del Tercer Reich (al igual que otras
producciones como "Olimpia" o, por parte de la URSS, "Octubre").
Documental de corte
propagandístico sobre el congreso del partido Nazi en Nuremberg en la Alemania
de 1934. A pesar de su valor artístico, la clara exaltación de la raza aria a
lo largo de toda la cinta provocó que la autora Riefenstahl fuera bastante
criticada en su momento aunque no se la llegó a considerar nazi, si acaso
simpatizante.
Desde luego fue un boom para
ella ya que, tal y como se indica en la ficha de filmaffinity, el propio Hitler
alabó el documental definiéndolo como una película "de nazis, para
nazis, y sobre nazis, como una incomparable glorificación del poder y la belleza
de nuestro movimiento". Fue rodado durante 1934, fecha en la que
Hitler aunó el cargo tanto de presidente como de canciller de Alemania, un buen
momento para asentar el régimen mediante propaganda como esta.
OLIMPIA 1ª
parte (1936)
OLIMPIA 2ª
parte (1936)
LENI RIEFENSTAHL vista por Roman Gubern
LENI
RIEFENSTAHL vista por Roman Gubern
La obra fílmica de L.
Riefenstahl vista por R. Gubern. Leni crea el documental en la época en la que
aún no existía la TV.
Leni nació en Berlin, en 1902.
Se inició en el cine como actriz y posteriormente pasó a la dirección con Das
Blaue Licht (La luz azul, 1932) que, tras ser premiada en el Festival de
Venecia, la lanzó a la fama internacional.
A través de Rudolf Hess, Hitler
le ofreció filmar la concentración del Partido Nazi en el Campo Zeppelin de
Nüremberg en 1933, ya que el dictador se había quedado muy impresionado con el
primer trabajo de Leni como directora cinematográfica en Das Blaue Licht (La
Luz Azul, 1932). Riefenstahl aceptó la propuesta y realizó lo que hoy se conoce
como La Trilogía de Nüremberg, formada por:
Der Sieg des Glaubens (Victoria de Fe, 1933)
Triumph des Willens (El triunfo de la voluntad, 1934)
Unsere Wehrmacht (Día de Libertad: Nuestras Fuerzas Armadas, 1935)
La Trilogía de Nüremberg de Riefenstahl es uno de los documentales político-propagandísticos más efectivos jamás filmado.
Su siguiente obra importante como directora fue el megadocumental de más de cuatro horas de duración Olympia (Parte I Festival de las Naciones y Parte II Festival de la belleza, 1938), en la que filmó los Juegos Olímpicos de Berlín 1936, conocidos como las Olimpiadas de Hitler. Verdadero hito cinematográfico ya que nunca antes se habían filmado unos JJ.OO.
Der Sieg des Glaubens (Victoria de Fe, 1933)
Triumph des Willens (El triunfo de la voluntad, 1934)
Unsere Wehrmacht (Día de Libertad: Nuestras Fuerzas Armadas, 1935)
La Trilogía de Nüremberg de Riefenstahl es uno de los documentales político-propagandísticos más efectivos jamás filmado.
Su siguiente obra importante como directora fue el megadocumental de más de cuatro horas de duración Olympia (Parte I Festival de las Naciones y Parte II Festival de la belleza, 1938), en la que filmó los Juegos Olímpicos de Berlín 1936, conocidos como las Olimpiadas de Hitler. Verdadero hito cinematográfico ya que nunca antes se habían filmado unos JJ.OO.
Sobre este film pesa la
controversia de ser también un trabajo propagandistico a favor del régimen nazi,
debido a su alto contenido político. Aunque cabe destacar los avances técnicos
y de producción utilizados por Riefenstahl en estos trabajos, siendo pionera en
la utilización de medios y formas de rodaje y post produción muy recurrentes
hoy día en las producciones audiovisuales, pero indudablemente innovadoras en
la época.
Tras el final de la Segunda
Guerra Mundial, Leni Riefenstahl tuvo problemas en su vida privada, su
matrimonio fracasó y además el gobierno francés se empeñó en enjuiciarla.
Riefenstahl rechazó estar vinculada con el régimen Nazi, aduciendo que sus
filmes y trabajos sólo fueron producto de cualquier servicio profesional
contratado y que ella cumplió de acuerdo a las directivas nazis y no haciendo
una apología de convicciones personales.
Sin embargo, estas apologías aún son objeto de controversia debido al alto grado de vinculación que tuvo con los altos círculos nazis y es un hecho de que ella nunca pudo desprenderse del estigma del Nazismo. También se la señaló como amante de Hitler, hecho que ella negó, limitándose a reconocer que el líder alemán la pretendió en alguna ocasión sin que ella aceptase. Más tarde rechazó los horrores del nazismo.
Finalmente en 1948, fue eximida de culpabilidad; no obstante, se le confiscaron todos sus bienes.
A partir de la década de 1950, Riefenstahl inició una nueva y estimulante etapa profesional, esta vez como fotógrafa. A finales de la década siguiente produjo una detallada y bella documentación fotográfica sobre un pueblo africano, los Nuba, y en años posteriores realizó varias producciones sobre la vida submarina. Su estilo fue imitado por varios fotógrafos de revistas de gran tirada.
Aun en su senectud, Leni desarrolló una gran actividad en pro de su arte, llegando a sufrir accidentes que le dejaron con problemas dorsales.
Sin embargo, estas apologías aún son objeto de controversia debido al alto grado de vinculación que tuvo con los altos círculos nazis y es un hecho de que ella nunca pudo desprenderse del estigma del Nazismo. También se la señaló como amante de Hitler, hecho que ella negó, limitándose a reconocer que el líder alemán la pretendió en alguna ocasión sin que ella aceptase. Más tarde rechazó los horrores del nazismo.
Finalmente en 1948, fue eximida de culpabilidad; no obstante, se le confiscaron todos sus bienes.
A partir de la década de 1950, Riefenstahl inició una nueva y estimulante etapa profesional, esta vez como fotógrafa. A finales de la década siguiente produjo una detallada y bella documentación fotográfica sobre un pueblo africano, los Nuba, y en años posteriores realizó varias producciones sobre la vida submarina. Su estilo fue imitado por varios fotógrafos de revistas de gran tirada.
Aun en su senectud, Leni desarrolló una gran actividad en pro de su arte, llegando a sufrir accidentes que le dejaron con problemas dorsales.
Su vida fue plena en vivencias y amor al arte fotográfico el cual constituye su más preciado legado.
Riefenstahl falleció a los 101 años en su casa de Poecking, a bordo del «Starnberger See», en Baviera. La cineasta, que padecía cáncer y problemas dorsales, falleció mientras dormía, tras un progresivo deterioro de su salud.
LENI RIEFENSTAHL con LOS NUBA
En particular, la circunstancia de que, a través del avance
de la civilización, el estilo de vida de los Nuba se está acercando a su final
irreversible, está dando a estos documentos de imagen una importancia
antropológica, etnológica y cultural-histórica única.
Leni Riefenstahl fotografió a las
tribus Nuba de África. Con
ese material publicó sus libros: "The Last of the Nuba" (1974)."People
of Kau" (1975)
Leni
Riefenstahl. Ein Traum fon Afrika (The dream of Africa) Vol. 1
Leni
Riefenstahl. Ein Traum fon Afrika (The dream of Africa) Vol. 2
CURIOSIDADES
Los documentales de Helene
Bertha Amalie “Leni” Riefenstahl, tal era su nombre completo, admiten la
influencia de Sergei Eisenstein, se caracterizan por la glorificación del ser
humano (presentando a Hitler como el mesías en “El triunfo de la voluntad”), y
a los atletas olímpicos como semidioses, con una fotografía que resalta el
culto al cuerpo, logrando hallazgos visuales que influirán sobre olimpíadas
posteriores.
En 1997, el grupo Rammstein,
una
banda alemana de metal industrial formada en 1994,
compaginaron su videoclip “Stripped” (“despojado/desnuda”), exclusivamente con
imágenes de archivo de “Olimpia” 1y2.
Rammstein
- Stripped (Official Video)
El cine español del franquismo
La dictadura impone modelos morales, religiosos y patrióticos para exaltar los valores del nuevo joven español.
En 1939, con la victoria nacional de los grupos comandados por Francisco Franco, de ahí en más el Generalísimo, el gobierno español se decidió a apoyar un nuevo cine destinado a "exaltar los valores raciales y las enseñanzas de los nuevos principios morales y políticos".
RAZA
Por Claudio España
En 1940, un libro
cinematográfico llegó a manos de José Luís Sáenz de Heredia
(Madrid, 10 de abril de 1911 – 4 de
noviembre de 1992), director de cine y uno de los más considerados
realizadores de la España del franquismo. En 1941, ese guión se convirtió en
una película, Raza. El texto aparecía firmado por un Jaime
de Andrade y se basaba sobre su novela de igual título. Jaime de Andrade era
en realidad el generalísimo Francisco Franco, dato conocido más tarde.
El
literato contaba allí, en un tono autobiográfico que exaltaba los valores
nacionales vencedores en la guerra civil, la vida de su familia. Era el hogar
de los Churruca, cuya historia comenzaba hacia 1897 y llegaba hasta los
confines de la guerra civil, con la manifestación de la vida feliz que
les siguió, siempre y cuando los ideales hubieran estado atados al carro de los
triunfadores.
La producción fue generosa en
términos económicos y visuales y la imagen se despliega entre interiores y
exteriores de prolija confección; el relato, aun con algunos flashbacks,
se caracteriza por una franca linealidad y por un mensaje unívoco, de fácil
explicación y tan comprensible para cualquiera, que Raza, el
film, se convirtió en un enorme éxito de público. Con esta obra, Sáenz de
Heredia –su carrera futura quedó bien establecida- inauguró un género: el
cine político de marcada subjetividad y tendencioso en la exposición
de ideales patrioteros y en retratos humanos de forzado maniqueísmo. Ni
siquiera resultó verdadero en la expresión autobiográfica de la narración:
Franco pretendía exponer en esas secuencias su vida personal mediante la figura
de su padre que, en la vida real, fue un adalid del liberalismo y enemigo de
los procederes de su hijo. En Raza actuaban Alfredo Mayo, Ana Mariscal –siguió
su carrera en la Argentina-, José Nieto, Blanca de Silos y Raúl Cancio.
Claudio España pag. 200 –
Revista La Nación – Cien años de Cine – 1995.
Raza es un
compendio del cine de propaganda de los primeros años del franquismo y relata
la vida de una familia sospechosamente parecida a la del dictador
español.
Raza es ideología en estado puro. Nunca se
escuchó la palabra "patria" tantas veces durante una película. En una
de las escenas más dramáticas, los republicanos asesinan a unos curas a la
orilla de una playa. La imagen de las mujeres, también encaja con la moral
franquista: la madre es una devota católica y el protagonista tiene una
enamorada a la que sólo besa en la frente.
Raza 1941
Argumento de Francisco Franco
Raza ha sido
criticada en un libro corto monográfico de Román
Gubern Raza: Un ensueño del general Franco, de 1977.
Gubern psicoanaliza el guion de
Franco a la luz de la doctrina de Alfred
Adler, afirmando que Raza es una sobrecompensación en la
cual Franco supera simbólicamente lo que consideraba como deficiencias y
defectos propios y de su familia. Por ejemplo: Pedro, el personaje de Raza,
sería la proyección de Ramón
Franco, el hermano republicano de Franco, que tras lustros de dar
disgustos a su familia por sus ideas izquierdistas terminaría luchando y
muriendo en el bando nacional.
El estudio más pormenorizado de la película se
encuentra en el libro de la historiadora francesa de cine Nancy Berthier: Le
franquisme et son image. Cinéma et Propagande, Toulouse, PUM, 1998, versión
abreviada de una tesis doctoral defendida en la Sorbona en 1994. En las 100
primeras páginas del libro, se procede a un análisis de la película en su
contexto. La autora se vale de documentos de gran valor totalmente inéditos
para documentar el procesos de producción y distribución de la película (archivos
de Muñoz Fontán recogidos en los archivos de la guerra civil, archivos del
ministerio de asuntos exteriores, etc.).
Bibliografía
EL CINE LIBERTARIO
Al estallar la guerra
civil española en julio de 1936, el sindicato anarquista CNT socializó
la industria del cine en España.
En Madrid y Barcelona los
trabajadores del cine asumieron, a través del sindicato, los bienes de
producción y se produjeron numerosas películas. Esto dio lugar a un período
único que no se ha vuelto a producir en ninguna otra cinematografía mundial.
Pese a que el país estaba sumido en una cruenta guerra, entre 1936 y 1938 se rodaron y estrenaron películas de muy variada temática: dramas sociales, comedias musicales, filmes de denuncia y documentales bélicos. Todas ellas componen un variado mosaico que da lugar a uno de los momentos más insólitos y originales de la cinematografía española.
A través de la opinión de
distintos expertos, así como del testimonio del director de fotografía y
restaurador español, Juan Mariné, el documental recorre cada una de las
producciones que constituyen un legado excepcional de la cinematografía
española.
Fue un periodo muy efímero durante el cual los guionistas, los
directores, los técnicos y los actores españoles demostraron una de las máximas
del mundo del espectáculo: pese a los bombardeos, el hambre y el drama de la
guerra, el espectáculo debía continuar, y continuó.
Bajo el signo libertario (1936)
Este film se realizó no solo con la idea de
ensalzar el sistema implantado por los anarcosindicalistas, sino de explicar de
un modo sencillo sus ventajas. Según el narrador, los anarquistas son los
autores de la reorganización de la vida cotidiana en buena parte de la zona
republicana y la fe que proclaman por su revolución social.
Contexto histórico del neorrealismo
Para entender el neorrealismo,
primero debemos situarnos en el contexto histórico del momento. Nos encontramos
en el final de la Segunda Guerra Mundial, la más sangrienta recordada y
cuyas consecuencias, aún todavía se pueden llegar a palpar. Se calcula que el
total de muertos durante la guerra se sitúa en torno a los 55 millones de
personas, siendo la URSS, China, Polonia y Alemania los países donde la cifra
es mayor.
A ello tendríamos que añadir los heridos graves e inútiles de guerra
que alcanzan los 35 millones de personas. Las naciones invadidas o derrotadas
son las que experimentaron mayores pérdidas económicas (Alemania, URSS, Francia
y Japón); en la mayoría de ellas no se había alcanzado aún en 1950 el nivel
económico de la preguerra y especialmente en las del sudeste asiático, pues los
países europeos contaron con la ayuda americana y la URSS pudo sustraer de la
Alemania invadida gran parte de su maquinaria industrial.
Cambios económicos: Han
sido innumerables y tuvieron importantes aplicaciones para el posterior
desarrollo económico. Desde la fisión nuclear, empleada en la bomba atómica,
hasta los nuevos dispositivos de comunicación y localización (radar) o las
mejoras en los medios de transporte (barco, avión), pasando por la elaboración
de productos sintéticos. Estados Unidos convirtió a países como México,
Argentina y Canadá en los grandes abastecedores de los aliados, a través de su
mediación.
Cambios políticos: Quedaron
eliminados los regímenes totalitarios de Alemania, Italia y Japón; por el
contrario, se impusieron regímenes comunistas en Europa oriental. Europa
occidental perdía definitivamente su hegemonía mundial y buscó la alianza con
Estados Unidos para protegerse de la amenaza soviética, pues la URSS no
desmovilizó sus ejércitos situados en Europa oriental al concluir la guerra.
Cambios territoriales: La URSS
aumentó sus posesiones al incorporar los estados de Estonia, Letonia, Lituania
y el norte de la Prusia Oriental. Polonia, en compensación a las pérdidas citadas,
recibía los territorios alemanes existentes al este de la línea Oder-Neisse.
Bulgaria retuvo la parte sur de la Dobrudja e Italia tuvo que ceder la
Venecia-Julia a Yugoslavia y las islas del Dodecaneso y Rodas a Grecia. Por otra
parte, Alemania y Austria fueron ocupadas por los aliados, siendo sus
territorios repartidos en cuatro zonas para reunificarlas posteriormente
(norteamericana, francesa, soviética y británica).
LAS BASES DEL NEORREALISMO ITALIANO, SURGE DENTRO DEL
FASCISMO.
Mussolini, con su afición
por el cine, no pudo detener con mano de dictador la corriente estética que
surgía dentro de las instituciones dedicadas al cine.
Neorrealismo Italiano, contexto histórico y
características
Aunque la mano de
Mussolini había desplegado la sombra fascista a lo largo de toda la península,
el estallido de la Segunda Guerra Mundial supuso la evidencia de distintas
zonas de fractura dentro del campo intelectual italiano. El cine es una de ellas,
y la prueba es la aparición del Neorrealismo.
A la cabeza del Centro
Sperimentale di Cinematografía se encontraba el teórico y
realizador Luigi Chiarini (1900-1975) que, mientras reúne en
el recinto a figuras de marcada tendencia izquierdista o marxista como el
director Francesco Pasinetti (1911-1949) o el teórico Humberto
Barbaro (1902-1959) –con quien escribe y publica regularmente- se
dedica en forma activa a la dirección de Bianco e Nero, la revista
oficial del Centro: allí es donde se editan diversos artículos que invitan,
desde la labor fílmica, a rever posiciones estéticas y a inculcar una nueva
preocupación temática por relatos centrados en el pueblo y en sus cotidianos
avatares.
Cosa similar ocurre con
la revista Cinema: creada para ser el Órgano de la Federación
Fascista del Espectáculo y dirigida por el hijo del Duce, Vittorio
Musollini, pronto alberga a miembros del incipiente Partido Comunista Italiano
(PCI), entre quienes se encuentran: Guiseppe De Santis, Michelangelo
Antonioni, Carlo Lizzani y Luchino Visconti.
La idea de la fundación de Cinecittà, aparece en los años treinta, durante el régimen fascista de Benito Mussolini, en un intento de competir con los estudios de Hollywood en Estados Unidos. Asimismo, el régimen era consciente de la importancia de un arma de propaganda, parecida a la desarrollada en la Alemania nazi.
El 26 de enero de 1936 Mussolini pone la primera piedra y tras quince meses de obras, los estudios son inaugurados el 28 de abril de 1937. En este mismo año se rodarían 19 películas y en los siguientes varios cientos de filmes más.
Durante estos primeros años los estudios vieron pasar a muchos de los grandes nombres del cine italiano: Roberto Rossellini, Federico Fellini, Vittorio De Sica y Luchino Visconti.
En 1943 Cinecittà fue saqueada por los alemanes, quienes la utilizaron como campo de concentración para civiles y luego bombardeada por las fuerzas aliadas.
La nascita di CINECITTà "La fabbrica dei
sogni"
En la producción fílmica
confluirán distintas vertientes:
Por un lado el verismo –corriente
literaria de fines del siglo XIX, que reelabora en clave italiana los
presupuestos de naturalismo francés extendido por Emile Zola.
Por otro, el clima
ideológico de los años ´30 busca el quiebre de los convencionalismos propios
del cine oficialista, desarrollados tanto por el escapismo de los films
de teléfonos blancos y los vacuos melodramas como por las
epopeyas nacionalistas y los relatos históricos típicos de la propaganda
fascista.
El cine debe entregarse a
la revisión crítica del pasado reciente, ahondar en los dolores y goces del
pueblo y hacer de proletarios y labriegos los héroes de historias cotidianas o
rurales trabajadas desde una nueva estética realista.
Arte, verismo y documento
André Bazin dijo:
“Llamemos realista a todo sistema de expresión, a todo procedimiento de relato
que tiende a hacer aparecer un mayor grado de realidad sobre la pantalla”.
Sin embargo, dado que el arte es
representación (es decir construcción) estética, el concepto de
realismo se convierte a menudo en una convención vacía que no designa mucho.
Realismo negro francés, realismo
sucio, hiperrealismo, surrealismo, realismo socialista, realismo romántico: lo
que se califica es una sustancia neutra, ya que toda escuela viene a decir que
expresa el mundo de manera más acertadas que las anteriores. Sucede que toda
expresión artística se define por su relación con lo real y, a la vez,
ninguna forma de realismo puede escapar al artificio estético.
De todos modos, es posible distinguir
en la historia del arte una tradición realista (no
menos convencional que otras tradiciones) signada por su pretensión de
objetividad y una intención de verismo y documento.
En esa genealogía, el neorrealismo
italiano, surgido en la postguerra, representa una nueva etapa que
trata de acercar las convenciones artísticas a una expresión certera del
espíritu de su época
Neorrealismo Italiano /Roma Ciudad Abierta
Neorrealismo Italiano: " Roma, ciudad
abierta"
El Neorrealismo con 'Roma, ciudad abierta', Días
de cine - RTVE.e.flv
CONCEPTO DE MOVIMIENTO.
Por Clara Kriger
En los estudios históricos y
críticos, en materia de cinematografía se utiliza el concepto de movimiento para
denominar algunos conjuntos de films que tienen supuestas relaciones con sus
diferentes contextos sociales.
Andrew Tudor considera que este
fenómeno se produce (en oposición a lo que ocurre cuando se aplica el término
movimiento a otras artes) en espacios geográficamente limitados; así podemos
hablar, por ejemplo, del neorrealismo italiano o de
la nouvelle vague francesa; con el agregado de que se suscitan
en el marco de las sociedades que han sufrido un gran trauma sociocultural
previo.
Pero movimiento
cinematográfico sugiere, en primer lugar, innovación. El fenómeno
abarca una agrupación de films que desarrollan aproximaciones específicamente
nuevas al cine y representan una ruptura estética con los films del
pasado.
Terry Lovell y A.F.C. Wallace
corroboran que se trata de “una acción colectiva dirigida a algún objetivo
consciente”; un intento deliberado de los artistas comprometidos en
“suministrar una cultura más satisfactoria”.
Los neorrealistas compartían un
fuerte sentimiento político anti-nazi, así como la certeza de que debían
trastocar las prácticas del cine italiano a partir de asumir el compromiso
social que tenían como creadores. Por eso coincidían en la utilización de
temáticas y elementos formales que respondían al deseo de construir un cine
socialmente reactivo y responsable.
Clara Kriger – Revista la
Nación – Cien años del cine – 1995
Tudor, Andrew. Cine y comunicación
social. Barcelona: G. Gili, 1975
Principios del Neorrealismo
La proposición
neorrealista y su forma de hacer cine, consta de unos principios fundamentales
que se basan en:
• Una nueva mirada a la
realidad, un cine marcado por la situación de Italia en esos años, lo que
también condicionará su propio lenguaje.
• Nuevos modos de
producción: las películas surgen en un contexto de miseria y precariedad dentro
de esa industria: fuera de los estudios, con pocos recursos, urgentes...
• Nueva relación entre el
artista y la sociedad. No sólo hay una meta de captar la Italia de posguerra,
sino que también hay un compromiso moral entre los directores y la realidad: el
cine puede cambiar las cosas, hay que ayudar a Italia. Es un cine que quiere
dar testimonio y con una posición ética muy clara.
• La estética
neorrealista está basada en una motivación ética con respecto a la realidad.
Dentro de este movimiento
existen diferentes posiciones:
Más realista y católica:
De Sica.
A la mucho más
politizada, más cercana al marxismo: Visconti.
• En el surgimiento de
este movimiento hay elementos que ya estaban en el cine italiano anterior, y
otros que rompen.
• Como antecedentes: Hay
un cine realista que trataba de ser popular, un cine rural de los años 30,
dramas o comedias, como las de A. Blassetti: “Tierra Madre” (1931). Utilizan
los dialectos regionales. También hay una comedia urbana que se centra en los
problemas de las clases populares, como las de Camerini. Los primeros trabajos
de Rossellini se moverán en ese entorno. Documentales a veces dramatizados, por
ejemplo las condiciones de vida de los soldados: “La nave blanca” (1941), “Un
piloto regresa” (1940).
Estuvieron patrocinados
por el ejército italiano de la época de Musolinni.
Como rupturas: los
directores neorrealistas se oponen de manera frontal a algunas de
las convenciones del cine italiano de antes de la guerra: grandes epopeyas,
ambientes literarios del siglo XIX, sobre todo en su vertiente melodramática,
y, sobre todo, el conocido como cine de los teléfonos blancos.
• La película que sirve
de precedente básico para el neorrealismo es una adaptación de la novela “El
cartero siempre llama dos veces”, y se llama “Obsesión”, de Visconti (1943).
• Pero la que supuso el
inicio del movimiento fue Roma, ciudad abierta (Roma,
città aperta), de Roberto Rossellini (1945). Es una película nacida de la
urgencia de testimoniar lo que sucedía en la Roma ocupada por los nazis, cómo
el pueblo tenía que vivir en esas condiciones y cómo se gestaban los
movimientos de resistencia. Es una historia coral, que exalta la
resistencia a los nazis. Se rodó en escenarios naturales.
• El ladrón de
bicicletas, de De Sica (1948)
Características técnicas
Las características técnicas de
las producciones neorrealistas están marcadas por la precariedad de recursos, a
los que tenían que sortear muchas veces, con ideas y apaños artesanales.
1) Estéticas:
• La puesta en escena y
realización están marcadas por la precariedad técnica, no existían estudios
(Cinecitta estaba arrasado). Se recurre fundamentalmente a escenarios
naturales: calles, casas, espacios públicos. Se reduce la iluminación al
mínimo.
• Pocas veces se trabaja con
equipos de sonido. Esto permite más movilidad de la cámara. No se recoge sonido
directo, sino que están doblados.
• El estilo fotográfico es
bastante rudo (especialmente en Roma, que es la más precaria).
• Se empiezan a ver movimientos
de cámara en mano.
• Se improvisa, aunque se respetan
las normas de continuidad.
• Se recurre a actores no
profesionales o conviven.
• No hay una gran elaboración de
la caracterización de los personajes, no hay un diseño de producción. Eso le
proporciona verismo documental, de acercamiento a la realidad, a la vez que más
flexibilidad en la puesta en escena.
2) Punto de vista narrativo:
Supone una reacción contra los
intrincados argumentos del cine de antes de la guerra.
• Tendían a abordar las
historias con menos rigor desde el punto de vista causal (tenían menos en
cuenta las reglas del guión). Todas las causas tienen que ver con las condiciones
de vida de las personas, y eso los convierte en representantes de la sociedad.
• Introduce finales infelices o
ambiguos, no hay finales felices.
• Se renuncia a la omnisciencia
de las películas clásicas (no lo sabemos todo ni se nos muestra toda la realidad,
sino que sólo vemos fragmentos). Rosellini continuará con la estela de Roma en
otras dos películas: “Paisá” (1946) y “Alemania, año cero” (1948).
Continuará haciendo cine:
“Strómboli” (1950), “Te querré siempre”... Es cine muy humanista y se preocupa
por la relectura de la historia.
Temas Narrativos
La resistencia (contra los
fascistas / nazis).
La devastación causada por la II
Guerra Mundial
La clase obrera.
Pobreza.
Humanismo.
Espacio urbano y su periferia.
Inspirada en hechos reales.
La representación de la realidad
- "La vida tal como es"
La negativa al glamur
El rechazo de los valores de
Hollywood y el escapismo de los “teléfonos blancos” en las películas de la era
fascista.
Elementos Técnicos
Filmación en el lugar
El uso de luz natural
Post-sincronización del sonido
(doblaje)
Utilización de los recursos de
grado más bajo del cine (como el 16mm)
El uso de actores no
profesionales
El uso de la toma larga
Poco uso de la edición y montaje
Lugar de filmación
Su aspecto e intención principal consistía en plasmar la realidad tal cual era. Se trataba de un cine con orientación social capaz de representar la terrible depresión de una guerra tan atroz: un cine casi de desesperanza con un claro contenido social.
Se da mayor importancia a
los sentimientos que a la composición icónica, pero sin despreciar ésta.
Se otorga mucha importancia al
guión como foco fundamental de expresión, por lo que el peso de los
diálogos es fundamental.
Suelen utilizar el
dialecto (Italia posee muchos) como forma de lenguaje más
esencial y auténtica, lo que conecta perfectamente con la idea de retratar la
realidad tal y como la perciben.
El “estandarte” del
neorrealismo fue el de: "¡Abajo las estrellas!”.
El cine no
necesita de actores, sino de hombres y mujeres que narren su propia vida, que
no actúen, sino que se comporten como son y que se encarnen a sí
mismos.
TEMÁTICAS
Dos nuevos tipos de
protagonistas: la mujer y el niño.
La guerra y la resistencia,
caracterizado por ser documental y social, por eso la temática más frecuente es
la guerra y resistencia.
La post – guerra, amplia gama de películas que
hablan de la inmediata posguerra, las consecuencias dramáticas con sus crueles
aspectos de miseria, violencia y corrupción, Las familias desarmadas, la falta
de oportunidades, el desempleo y todo lo que ello contrajo, como la
delincuencia entre otras cosas.
Comedia y sátira, reseñas con
espíritu mordaz los detalles más característicos de las costumbres italianas
El lugar y el Hombre, como
sobreviven las personas según el ambiente geográfico y humano, como lo es la
vida al orilla de un río, o en barrio popular. O los trabajadores de las minas
Oficios y actividades
humanas, mostrando actividades tan singulares y sacrificadas como los pescadores,
barrenderos, paragüeros, etc.
De sentido humanista, mostrando
la problemática social de los diferentes grupos de personas como los niños,
trabajadores y mujeres.
De problemas diversos, como el
alfabetismo en Italia, la lucha antinazi, accidentes carreteros, etc.
El recurso de
la improvisación: Es un recurso indispensable de este estilo
cinematográfico, ya que para describir la realidad hay que entender su naturaleza
dinámica. Por ello, no hay rigidez, todo
es flexible y cambiante.
ALIADOS Y DETRACTORES DEL Neorrealismo italiano
El Neorrealismo encontró
aliados en la izquierda
El realismo en general
tiene una connotación positiva (con la participación de la clase obrera, la
claridad, el compromiso con la vida ordinaria, etc.)
Los comunistas lo vieron
como parte de la tradición cultural italiana progresista (es decir, que muestra
los trabajadores que luchan por lo que es legítimamente suyo en un contexto de
desigualdad social)
El Neorrealismo encontró
detractores en la derecha
La Democracia Cristiana
se molestó con la representación de las desigualdades sociales, la pobreza, la
anarquía y la delincuencia
Películas del
neorrealismo en Italia mostraron una mala imagen, presentando una imagen
desfavorable de los italianos con el mundo exterior
La fuerza de la
Democracia Cristiana en la década de 1950 llevó a la desaparición del
neorrealismo
El fin del Neorrealismo
Aunque estas películas
son fundamentalmente dramáticas y no comerciales, sí que obtuvieron el favor
del público italiano de la época. Pero a partir de la década de los
50 el movimiento empieza
a disgregarse y los directores empiezan a hacer un cine más personal: Visconti,
por ejemplo plasma en la gran pantalla obras literarias como: “Senso” 1954,
basada en la novela de Camillo Boito y con la participación en el guión del
mismísimo Tennessee Williams; o como “Noches blancas” (1957), novela de Fedor
Dostoievski.
También surgen nuevos
directores: Fellini, “Los inútiles” (1953), Antonioni, y “Amor en la ciudad”
(1953).
Sus primeras películas
aún tienen elementos neorrealistas, analizando conflictos personales con tinte
psicológico.
Hay otras circunstancias
que condicionarán el fin del movimiento:
• Italia es reconstruida,
las cosas empiezan a mejorar. En 1949 llega al poder la democracia cristiana.
El nuevo gobierno no ve bien algunas películas del movimiento.
Se reconstruye Cinecitta.
• Se comienza a hacer un
cine más comercial y con una producción a gran escala.
• Los historiadores ponen
como fecha final del movimiento 1951, cuando De Sica hace “Umberto D”. La
película fue mal recibida por público y crítica.
“El neorrealismo no es nada, tan sólo una idea, un punto de vista, una
actitud moral"
Esta definición de Cesare
Zavattini explicaba con claridad que el neorrealismo fue más un medio
para documentar una realidad social -utilizando principalmente el cine y la
fotografía- que una corriente artística. La supuesta realidad tendía a ser
pretenciosa, y la oposición interna por parte del sector cultural de ideología
izquierdista, se opuso a un estilo oficialista realista. Por ésta y otras
críticas, el Neorrealismo pasa a la historia; el nuevo germen del cine italiano
pedía paso, se dejaba de lado la pura crónica desnuda y volvía a resurgir la
novela y la narración artística.
CESARE ZAVATTINI
Considerado el alma
indiscutible del neorrealismo, Cesare Zavattini (1902-1989), guionista y teórico
del cine, decide volcar en sus libretos cinematográficos su preocupación por
las consecuencias materiales y espirituales de la segunda guerra y del fascismo
italiano.
Desarrolla junto a Vittorio
De Sica la parte más reconocida de su carrera como guionista,
comenzando con Los niños nos miran y la puerta del
cielo, para culminar con la trilogía Ladrones de Bicicletas,
Milagro en Milán y Umberto D.
Como teórico, sostuvo
la hipótesis del espionaje en el cine: una cámara
que sigue a un hombre en la calle, que lo acompaña en su vagabundeo, en sus
encuentros y acciones hasta descubrir su historia. En Alcune idee
sul cinema (Algunas ideas sobre el cine, Umberto D., Diario del
cine italiano 1953), Zavattini expresa que el cine italiano anterior se
reducía a una serie bien concatenada de hechos captados en los momentos más
llamativos de la vida de los personajes, mientras que el neorrealismo ha
intuido que el cine tiene que narrar hechos mínimos sin interferencia alguna de
la fantasía, tratando de mostrar aquello que contiene de humano, en un momento
histórico determinado.
Identificado con los
relatos neorrealistas más sentimentales, Zavattini fue una clave de un cine que
trascendió los umbrales del arte y de influencia fundante en el nuevo cine
Latinoamericano.
CINE Y EL HAMBRE DE LA
REALIDAD
Cesare Zavattini
(Algunas ideas sobre el
cine, Umberto D., Diario del cine italiano 1953)
No hay duda de que el
primero es la reacción más superficial de la realidad de la vida cotidiana es
el aburrimiento.
Hasta que usted es capaz
de superar y ganar nuestra pereza intelectual y la realidad moral no parece
carente de cualquier interés.
No es de extrañar, pues,
que el cine siempre ha sentido natural e inevitable como la necesidad de una
"historia" que se incluirá en la realidad, para hacerlo más
emocionante, "espectacular".
Es claro, sin embargo,
que de esta manera, “se evade” casi de inmediato del hecho de que sin la
intervención de la imaginación que no podía hacer nada.
La noticia más importante
y el más importante del neo-realismo, me parece, por lo tanto, es haberse dado
cuenta de que la necesidad de la "historia" no era más que una manera
inconsciente de disfrazar una derrota y que la imaginación humana, así como se
ejerce, no hizo más que patrones superpuestos de los hechos sociales muertos
vivos.
El hecho de que se había
dado cuenta, en esencia, que la realidad era enormemente rica: era suficiente
para saber mirar. Y que la tarea del artista no era para que él consiga
enojado y se trasladó a la aprobada, pero para llevarlo a reflexionar (y si
usted también quiere enojarse y ser movido) en las cosas que hace y los demás
lo hacen, en cosas reales, en definitiva, no son tan precisos.
Para mí es un gran
logro. Me gustaría estar allí vinieron hace muchos años. En lugar de
eso hice este descubrimiento sólo al final de la guerra. Es un
descubrimiento moral, una llamada al orden. Por fin vio lo que tenía antes
y me di cuenta de que todo lo que se "escapa" de la realidad era una
traición.
Mi viaje a Italia (El
cine italiano según Martin Scorsese) parte I y II
Dirigido y narrado por
Martin Scorsese, "Mi viaje a Italia" es un documental que lleva al
espectador a lo largo de un viaje fascinante a través del cine italiano, desde
el neorrealismo de la posguerra de Italia hasta las obras maestras de algunos
autores como Fellini, sin dejar de trazar las conexiones directas con el cine
contemporáneo. Todo relatado con los apasionados comentarios y observaciones
personales del maestro italoamericano.
https://www.documaniatv.com/arte-y-cine/martin-scorsese-mi-viaje-a-italia-cap-1-video_152464f9e.html
https://www.documaniatv.com/arte-y-cine/martin-scorsese-mi-viaje-a-italia-cap-2-video_bb6c43452.html
https://www.documaniatv.com/arte-y-cine/martin-scorsese-mi-viaje-a-italia-cap-3-video_5a3d0b9e6.html
[DOC]
www.lapetus.uchile.cl/lapetus/c1/download.php?id=1793
Estos son los títulos más
emblemáticos del neorrealismo italiano:
“Paisá” (1946)
Ladrón de bicicletas.
Roma, ciudad abierta, Roberto Rosellini (1945)
Alemania, año cero. Roberto Rosellini (1948)
Umberto D.( Vittorio De Sica. 1952)
Stromboli tierra de dios (ROBERTO ROSSELLINI -
1950)
LEGADO
DEL NEORREALISMO
La nueva ola francesa (finales de 1950-60s),
Jean-Luc Goddard, François Truffault
La generación del ´60 en Argentina (finales de 1950-60s),
Cinema Novo brasileño (finales de 1950 de 60s), Nelson PEIRERA dos Santos y Glauber Rocha
Cine Indio, específicamente
Satyajit Ray, director de la trilogía de Apu (1950 -60)
Cinema Verite y los movimientos de
”cine directo” documental en los 60s
“No debe haber ninguna diferencia
entre la vida y lo que está en la pantalla ... Quiero conocer a la verdadera
protagonista de la vida cotidiana ... El Neorrealismo ha percibido que la
experiencia más Irreemplazable viene de las cosas que suceden ante nuestros
ojos, de la necesidad natural. [...] La película ideal sería noventa minutos de
la vida de un hombre al que no pasa nada.”
Cesare Zavattini
ACCEDE AL CRUCIGRAMA PRESIONANDO LA IMAGEN
Antes de entrar en materia, tenga en cuenta las siguientes instrucciones para la correcta utilización de esta tarea:
1.° Trate de responder a cada una de las preguntas subrayando de la respuesta que se sugieren, la que considere cierta después de haber leído la clase a las que corresponden y si la respuesta no la encuentra deberá investigar por su cuenta la respuesta.
2.° Es posible que tenga que visualizar y analizar una película, en principio se le ofrecerán una guía de preguntas que le servirán para el análisis y punto de vista que desde el que se requiere dicho análisis.
1)
Que situación
histórica hizo que el 1 de septiembre de 1939, día en que se inauguraba
el Festival Internacional du Film de Cannes, puso fin al festival que tan
solo duró un día?
Subraye lo que
corresponda:
No se presentaron películas para la
competencia en el festival - Comenzó la Segunda Guerra Mundial – Francia le
declara la guerra a Alemania – Coincidía con el Festival de Cine de Venecia
2)
Cual es el
Festival de cine más antiguo del mundo?
Subraye lo que
corresponda:
Festival de Cine de
Raindance - Festival Internacional de Cine de Edimburgo -
Festival de San Sebastián - Festival de Cine de Venecia- Festival Internacional
de Cine de San Francisco
3)
A quien se le debe el término Film Noir o cine negro, para
describir las películas estaban marcadas por la prohibición, la gran depresión
y la Guerra Mundial.
Subraye lo que corresponda:
Al Actor Humphrey
Bogart - Al crítico de
cine Nino Frank – Al director
John Huston – al escritor Dashiell Hammett
4)
El guión de la
película española de 1941: “RAZA”, fue escrito por el Generalísimo Francisco
Franco. Con que seudónimo aparece como guionista?
Subraye el que
corresponda:
Cesar Vallejo - Jaime
de Andrade - Francisco Fernández - Neftalí Ricardo
Reyes
5)
Con que
nombre se identifican las películas realizadas entre 1936 y 1938 por el sindicato
anarquista CNT que socializó la industria del cine en España.
Subraye el que
corresponde:
Cine Nacionalista –
Cine Socialista- Cine Libertario – Cine Anarquista – Cine Falangista
6)
Que cineasta
que ayudó a encumbrar a Hitler con sus documentales propagandísticos
que mostraba las virtudes y grandeza del pensamiento nacionalsocialista, con
películas como “El triunfo de la voluntad” y “Olimpia”?
Subraye el
que corresponde:
Thea von
Harbou - Fritz Lang - Leni Riefenstahl - Friedrich Murnau
7)
En el año
1945, en Italia, se inaugura un nuevo movimiento cinematográfico llamado Neorrealismo
Italiano, como se llamó el filme inaugural dirigido por Roberto Rossellini?
Subraye el que
corresponda:
Paisá - Roma
Cittá Aperta - Miracolo a Milano - Ladri di Biciclette
8) Enuncie las características
estéticas, los puntos de vista, temas narrativos y elementos técnicos en
que se apoyaron los realizadores del movimiento Neorrealista Italiano:
RESPUESTA:
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