Clase 7: Fecha: 08/05
El Cine Mexicano.
El Cine Mexicano. Del mudo a nuestros
días. La Revolución Mexicana. “El automóvil gris” los seriales. Eisenstein en
Guanajuato. La estética Oficial: Janitzio y Redes. El cine industrial: “Santa”
el primer film sonoro. 1939
/ 1945: Los años dorados del cine mexicano. El melodrama y La Comedia
Ranchera. Gabriel Figueroa maestro de la luz. Buñuel en México, “la mirada
social”. Don Luis Buñuel, padrino del 'boom' literario Latinoamericano.
Ripstein: el heredero de Buñuel.
IMPORTANTE
A partir de esta clase tendremos un desplazamiento de las unidades como se
proyectaron originariamente.
Ante la realidad de esta pandemia, se está estimando que esta, junto a otras
materias terminen en este cuatrimestre como una cursada ÍNTEGRAMENTE VIRTUAL, por lo tanto el viernes 15 de mayo, tendremos
la PRIMERA EVALUACIÓN que podrán responder hasta el jueves 21 de
mayo.
RECORDATORIO DEL MANEJO DE ESTA AULA VIRTUAL:
Cada CLASE será desarrollada en
la primera parte, donde se vincularán los ejemplos, la bibliografía, y una guía
de preguntas sobre el materia desarrollado para responder en forma de
autoevaluación. Este cuestionario y cuaderno de investigación deberán copiarlo
de este blog y guardarlo ya respondido en una carpeta formato word, clase a
clase.
INSTRUCCIONES PARA EL USO
CORRECTO DEL CUESTIONARIO Y CUADERNO DE INVESTIGACIÓN
Antes de entrar en materia,
tenga en cuenta las siguientes instrucciones para la correcta utilización de
esta tarea:
1.° Trate de responder a cada
una de las preguntas subrayando de la respuesta que se sugieren, la que
considere cierta después de haber leído la clase a las que corresponden y si la
respuesta no la encuentra deberá investigar por cuenta propia la respuesta.
2.° Es posible que tenga que
visualizar y analizar una película, en principio se le ofrecerán una guía de
preguntas que le servirán para el análisis y punto de vista que desde el que se
requiere dicho análisis.
3 º En lo posible integraré
links de juegos para que puedan evaluar su conocimiento en una forma un poco más
divertida.
Hecho en México Trailer Oficial
MARCO DE CINE MEXICANO
El 6 de agosto de
1896, el presidente Porfirio Díaz, su familia y miembros del gabinete
presenciaron por primera vez las imágenes en movimiento proyectadas por dos
enviados de los Lumiére en uno de los salones del castillo de Chapultepec.
Según el autor, el éxito del nuevo medio de entretenimiento fue inmediato. Don
Porfirio había aceptado recibir en audiencia a Claude Ferdinand Bon Bernard y a
Gabriel Veyre, los proyeccionistas enviados por Louis y Auguste Lumiére a
México, debido a su enorme interés por los desarrollos científicos de la época.
Además, el hecho de que el nuevo invento proviniera de Francia, aseguraba su
aceptación oficial en un México que no ocultaba su gusto “afrancesado”.
La primera proyección
pública se llevó a cabo por parte de los Lumiére, en el local de la Bolsa de
México, en la Calle de Plateros.
Meses antes en Rusia,
la coronación de Nicolás II había inaugurado la tendencia de mostrar a los
personajes famosos en sus actividades diarias, lo cual fue adoptado en México
cuando Porfirio Díaz acepta ser filmado montando a caballo en los jardines de
Chapultepec, lo cual lo convierte en el primer actor de cine de México. El
filme lo realiza Salvador Toscano en 1899.
Durante 1896, Bernard
y Veyre filmaron unas 35 películas en las ciudades de México, Guadalajara y
Veracruz. Entre otras cosas, los franceses mostraron a Díaz en diversos actos,
registraron la llegada de la campana de Dolores al Palacio Nacional, y filmaron
diversas escenas folklóricas y costumbristas que acompañarían al cine mexicano
a lo largo de sus primeros años.
Mientras el cine hacia
su aparición en México exaltando la figura del dictador y se instalaba la luz
eléctrica, la gesta revolucionaria se iba forjando en el sur y en el norte del
país, ya que aunque se había logrado pacificar a los yaquis en el norte y a los
mayas en el sur por los conflictos generados por la explotación y la tenencia
de la tierra, el fermento del descontento se extendía entre los campesinos y
obreros de todos los rincones de México.
Fue el partido Liberal
Mexicano el primer intento exitoso de agrupar a la población descontenta,
partido que fue el primero en plantear la necesidad de una rebelión armada.
En este contexto
inicia en México el cine, no como industria, sino como aceptación de un invento
científico que registró los hechos políticos, sin pretender adoptar el carácter
documental que hoy encontramos en él.
Mientras el cine hacía su
aparición en México exaltando la figura de Porfirio Díaz, la gesta
revolucionaria se iba forjando en el norte y el sur.
Emilio García Riera
expone que el surgimiento de los primeros realizadores mexicanos obedeció al
carácter primitivo que tenía el cine de entonces: películas breves, de menos de
un minuto de duración, que provocaban una necesidad constante de material nuevo
para exhibir, el cual era comprado por Bernardo Aguirre, y que continuó
exhibiéndose por un tiempo; y no a un sentido nacionalista. Sin embargo:
"las demostraciones de los Lumiére por el mundo cesaron en 1897 y a partir
de entonces se limitaron a la venta de aparatos y copias de las vistas que sus
enviados habían tomado en los países que habían visitado"
Emprendedores entusiastas como Aguirre compraron equipo y películas a los Lumiére para llevarlas hasta provincia y exhibir ahí el maravilloso invento del cinematógrafo. Los Lumiére habían determinado dejar de filmar y montar su propia empresa de venta de copias, lo que impulso el surgimiento de los primeros cineastas nacionales.
Emprendedores entusiastas como Aguirre compraron equipo y películas a los Lumiére para llevarlas hasta provincia y exhibir ahí el maravilloso invento del cinematógrafo. Los Lumiére habían determinado dejar de filmar y montar su propia empresa de venta de copias, lo que impulso el surgimiento de los primeros cineastas nacionales.
Así, el Ing. Salvador
Toscano, hasta 1898 exhibidor de vistas en Veracruz, se inició como realizador.
Entre sus filmes hoy conservados se encuentran: “Entrada de un vapor al Puerto
de Veracruz”.
Pocos trabajos en relación
con los filmes realizados en esa época se conservan hoy día, entre ellos algunos
de Salvador Toscano, como “Memorias de Un mexicano”, editado en 1950
por Carmen Toscano, su hija, quien recopila varios cortos filmados por su
padre y el cual se considera el primer largometraje mexicano y declarado por
la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad.
El presidente Porfirio Díaz cabalgando en el
bosque de Chapultepec
Revolución Mexicana (1910)
El cine durante la Revolución Mexicana
La relación entre el cine y la Revolución Mexicana es sumamente compleja,
pues este movimiento fue el primer acontecimiento histórico que se registró en
película (comenzó tres años antes de la Primera Guerra Mundial), por ello este
medio no fue usado meramente para entretener a las masas. De hecho, los primero
trabajos cinematográficos de este periodo se distinguen por tener un carácter
documental, mismo que sirvió para que las producciones fueran presentadas al
público como los primeros noticieros nacionales por medio de los cuales las
personas podían enterarse de las batallas de Villa en el norte del país.
Los
personajes más importantes durante la revolución comprendían el poder que tenía
el cine sobre la población, por lo que decidieron rodearse de cineastas para
que grabaran sus todas sus actividades: desde lo que sucedía día a día en los
campamentos de los revolucionarios hasta la acción en batalla.
El primer país latinoamericano en recibir el cinematógrafo, pasaba por una
dictadura sustentada en la centralización del poder. En México se disfrutaba
del nuevo medio en los salones del Palacio de Chapultepec en presencia del
presidente Porfirio Díaz y su familia. Las primeras producciones, como en Francia,
fueron de carácter documental, buscaban representar la vida del presidente
para, posteriormente, pasar a la gente común, en paseos, riñas de gallo, ferias.
El público, aún no distinguía entre la realidad y la ficción.
Presidente
Norteamericano William Howard
Taft y Presidente de Mexico Don Porfirio Diaz en la aduana de Ciudad Juárez
REVOLUCIÓN MEXICANA
La Película Perdida De Pancho Villa -
The Life Of General Villa
CONTEXTO HISTÓRICO
¿Qué es una Revolución?
¿Qué es una Revolución?
Una revolución no es una
Reforma, ¿cuál es la diferencia entre una Revolución y una Reforma?
Un Reformista es una
persona que quiere cambiar en algún determina sistema, algunos de sus aspectos.
Un Revolucionario es
alguien que quiere cambiar la totalidad del sistema.
Esa es la diferencia, el
cambio de la particularidad, corresponde al reformista; el cambio de la
totalidad corresponde al revolucionario.
La Revolución Mexicana se
propuso cambiar el régimen de la propiedad de la tierra, que estaba como
siempre en manos de los grandes terratenientes.
La Revolución Mexicana
tiene la propiedad de ser indígena y campesina. O sea que los
pueblos originarios tienen un protagonismo fundamental, estos restos de pueblos
originarios que habían sobrevivido a la impiadosa conquista española, tenían
presencia en México. Habían pasado de la esclavización española a la de los
terratenientes Mexicanos.
México al hacer su
revolución se aleja de los EEUU. Se están “afirmando a si mismos”, nosotros
queremos ser lo que somos, queremos ser independientes, autónomos, queremos ser
propietarios de nuestras tierras, queremos ser mexicanos, una Republica libre,
sin dueños, ni internos, ni externos.
La RM empieza en 1910,
100 años después de las revoluciones americanas, el proyecto inicial es
derrocar a un viejo tirano llamado Porfirio Díaz, que llevaba 34 años
gobernando en México, y a su régimen se le decía el “porfiriato”, cuya consigna
era “PAZ Y PROGRESO”, una consigna para los poderosos, porque que
más se le puede asegurar a los poderosos, más que la paz y el progreso?,
porque, que necesita el capital, los inversores extranjeros: Paz, para invertir
en Progreso!!!.
Pero por el otro lado
están los sometidos: Los pueblos originarios y los campesinos, que piden “TIERRA
y LIBERTAD”. Los terratenientes se apropiaron de la tierra, la tierra es de
los pueblos originarios y deben pertenecer a los campesinos, porque son los que
la trabajan, la que sufren con ella.
La rebelión
Francisco Madero se levanta en armas contra Porfirio
Díaz, lo derrota y asume como presidente, echo que disgusta a los campesinos,
porque estaba unido al poder terrateniente, entonces en la ciudad de Morelos,
se levanta un caudillo popular: Emiliano Zapata, en ese momento hay
una contrarrevolución desde el poder contra Zapata, encabezada por, Victorino
Huerta, que da un golpe contra Madero, y se adueña del poder, y
es ahí donde realmente comienza la Revolución Mexicana, que va a tener dos
líderes fundamentales: Emiliano Zapata y Pancho Villa.
Junto a Huerta aparece otro militar sanguinario: Venustiano
Carranza.
¿Qué actitud Humana
implica una revolución campesina e indígena? Una revolución es una FALTA
DE RESPETO AL PODER, una revolución por parte de los sometidos es la
aparición de una CONCIENCIA CRÍTICA, que le permite a los sometidos
decirles NO a aquellos que los someten.
Pensamiento y Praxis
El levantamiento
zapatista es multitudinario en una amplia zona de México, empieza entonces a
tomar medidas revolucionarias, crea juntas revolucionarias y comisiones
agrarias encargadas del nuevo reparto de las tierras, se sancionan las nuevas
leyes agrarias y se ocupan las tierras de los terratenientes, la
propiedad privada es inalienable para el capitalismo, hay reparto de las
tierras entre los pobres, la tierra es para el campesino que la trabaja.
Zapata crea un plan (Plan
de Ayala –1911) respaldada por la acción militante del campesino y de
indios, que plantea restituir las tierras y las aguas a los pobres que las
trabajan, a los indios, a los campesinos, a las comunidades originarias que han
sido arrasadas desde 1492, desde que Colon puso sus pies en América Latina.
Las leyes del Zapatismo,
está sostenido por un ejército revolucionario, por la praxis, mientras los
hacendados, no se quedan cruzados de brazos, arman guardias armadas,
cuya misión era ir recorriendo los campos y matar a todos los campesinos e
indios que encuentren, se desata una terrible Guerra Civil con matanzas de los
dos lados, sin piedad ni atrocidades de los dos lados, así Zapata cae muerto en
1919, sin su líder las masas quedan a la deriva, y en 1923, es acecinado en
Parral: Pancho Villa. Estas dos muertes expresan la declinación del ímpetu
revolucionario de los mexicanos.
Revolución y después
Hay un lema que dicen los
Mexicanos: “Tan lejos de Dios y tan cerca de los EEUU”.
Por supuesto en todo este
alboroto los EEUU tomaron intervención y amenazaron con intervenir en la
Revolución Mexicana, por supuesto a favor de los terratenientes. Lo que
preocupaba a los EEUU, es que México con esta Revolución consolidaba su
identidad nacional, y un país que consolida su identidad nacional ya no es tan
fácil de colonizar. La revolución mexicana marca la identidad de este país para
siempre, demostrando que el pueblo originario, sus campesinos, salieron a
respaldar a sus caudillos populares: Villa y Zapata.
Todo esto tuvo gran influencia
en el arte y la literatura, en los corridos, especialmente los de las Adelitas:
que unen el amor y el militarismo, eran las soldaderas, las chicas que
acompañaban a los soldados y les hacían la vida más alegre, mientras que la
guerra era cada vez más triste.
¿Qué pasa con la Revolución
Mexicana?, como con otras, se la “Congela”, se la mete en un museo. Raimundo
Gleyzer, director argentino desaparecido por la dictadura, hizo una
película que se llama “México: la revolución congelada”, y
efectivamente, esos ideales han desaparecido.
México, la revolución congelada. Presentación en
Filmoteca
La Revolución Congelada
Entre 1917 y 1940 la
sociedad mexicana vivió un intenso proceso de re estructuración en el que fueron
creando nuevas instituciones políticas.
Se produjo una gran
disparidad entre las promesas de la Revolución y su realización: la distribución
de la tierra fue esporádica e imperfecta, había muy poco interés en el
desarrollo industrial, y se manifestó una contradicción entre las proclamas
revolucionarias y el hecho de ser un país capitalista de libre empresa.
Hay un lema que dicen los
Mexicanos: “Tan lejos de Dios y tan cerca de los EEUU”.
Por supuesto en todo este alboroto los EEUU tomaron intervención y amenazaron con intervenir en la Revolución Mexicana, por supuesto a favor de los terratenientes.
Lo que preocupaba a los EEUU, es que México con esta Revolución consolidaba su identidad nacional, y un país que consolida su identidad nacional ya no es tan fácil de colonizar.
Por supuesto en todo este alboroto los EEUU tomaron intervención y amenazaron con intervenir en la Revolución Mexicana, por supuesto a favor de los terratenientes.
Lo que preocupaba a los EEUU, es que México con esta Revolución consolidaba su identidad nacional, y un país que consolida su identidad nacional ya no es tan fácil de colonizar.
La revolución mexicana
marca la identidad de este país para siempre, demostrando que el pueblo originario,
sus campesinos, salieron a respaldar a sus caudillos populares: Villa y Zapata.
Todo esto tuvo gran
influencia en el arte y la literatura, en los corridos, especialmente los de
las Adelitas: que unen el amor y el militarismo, eran las
soldaderas, las chicas que acompañaban a los soldados y les hacían la vida
más alegre, mientras que la guerra era cada vez más triste.
Durante la Segunda
Guerra Mundial se produjeron
algunos cambios que implicaron un auge industrial, y un impulso a la
agricultura.
En 1942 tras el
hundimiento de un buque petrolero mexicano, declara la guerra al Eje. Al mismo
tiempo, la guerra benefició a la industria cinematográfica, EE. UU. apoyo con
insumos, dinero para producción o refacción de equipos. Un gobierno que no
cumplió con sus promesas se hizo necesario difundir el nacionalismo.
Historia en Vivo (México en la 2a. Guerra Mundial)
El automóvil gris
La revolución mexicana
contribuyó al desarrollo del cine nacional, cada grupo revolucionario contaba
con sus propios camarógrafos que luego harían ficción, es el caso de Enrique
Rosas que en 1919 estrena “el automóvil gris”.
La película fue estrenada
el 11 de diciembre de 1919 pero, posteriormente, fue reeditada y sonorizada por
su editor original (Miguel Vigueras) en 1933 para compilarla en una sola
película, aunque durante el proceso de edición lamentablemente se perdieron
varias partes originales de dicha serie.
El-automóvil-gris-(1919) - Début.mp4
Escena final "El automóvil gris"
musicalizada por María y José @RCALT
Propuesta Revolucionaria
Es importante señalar
que, desde Porfirio Díaz hasta Lázaro Cárdenas,
propuestas educativas importantes se dieron en México: La primera impulsada
por José Vasconcelos quien promovió el muralismo mexicano.
Casi al término de los años veinte puso a disposición de los artistas plásticos
mexicanos el espacio mural de los edificios públicos; con esto trataba de
impulsar la política de educación cultural, para que el pueblo conociera la
historia de la revolución. Así Diego Rivera, José Clemente Orozco y David
Alfaro Siqueiros, se convierten en los muralistas revolucionarios de
México, cuyas obras hoy son conocidas fuera del territorio nacional.
Diego Rivera - Día de Muertos, 1924
Diego Rivera - Tierra y Libertad
Este mural representa
uno de los períodos más negros de la historia moderna de México: el Porfiriato
y los albores de la Revolución. Sobre un costado, Porfiro Díaz (con la banda
presidencial tricolor y guantes blancos) empuña un sable haciendo alarde de su
poder. De frente, los campesinos armados y con Emiliano Zapata y Pancho Villa a
la cabeza, contrarrestan la sarcástica demostración de poder del dictador,
levantando el Plan de San Luis de Potosí de 1905 y el registro de algunas de
las movilizaciones que propiciaron el terreno para la Revolución. En el centro
de la imagen, unos hombres sostienen un cartel rojo con letras blancas en el
que se puede leer “Tierra, libertad y pan para todos” (eslogan abiertamente
comunista) y sobre el fondo, una mordaz crítica al capitalismo, representada
por las fábricas humeantes con nombres extranjeros.
Eisenstein y “la mirada insólita”
Serguéi Eisenstein: Las claves para entender su
estilo.
1930. La presencia de Serguei Eisenstein en
México deja una marca visual imborrable en el cine mexicano. Tomará el
imaginario visual de los muralistas mexicanos para realizar su obra.
Por medio de Chaplin firmó
un contrato con Upton Sinclair, escritor socialista de origen
norteamericano, para filmar ¡Que viva México!
Tenía una extraña
fascinación por el Día de Muertos y por los ritos, mitos y objetos propios de
la religiosidad popular, el vigoroso nacionalismo artístico y el reciente
movimiento revolucionario de corte agrario y obrero, que le proporcionó su
relación con artistas y escritores como Diego Rivera y Adolfo
Best Maugard.
La película estaba
planteada en cuatro episodios: Sandunga, Maguey, Fiesta y Soldadera,
con un prólogo y un epílogo. Tomará el
imaginario visual de los muralistas. Del
proyecto solo faltó filmar la Soldadera y algunas partes de Fiesta, pues los
trabajos se suspendieron en 1932 por problemas financieros y diferencias con
Sinclair. Despojado de su material, jamás pudo editarlo, con lo que se inicia
la leyenda de Eisenstein que según José de la Colina fue “el más hermoso de los
filmes inexistentes”.
Día de los muertos / que viva México / Sergei Eisenstein
MUY IMPORTANTE LEER
¡Que viva México!
¡Que viva México!
Análisis de la secuencia: "Maguey" escenifica la tragedia de un campesino
¡Que viva México! Parte de la
Película Rusa ¡Que viva México! se filmó en el Municipio de Almoloya en la
Hacienda de Santiago Tetlapayac estado de Hidalgo en 1931 por Sergei
Eisenstein, Grigori Alexandrov, Eduard Tisse (Fragmento proporcionado por Juan
Carlos Villordo García)
"Maguey" escenifica la
tragedia de un campesino victimado por rebelarse en contra de su patrón parte
filmada en Tetlapayac de un proyecto fílmico inconcluso.
“Maguey”
LINK AL ANÁLISIS DE LA SECUENCIA “MAGUEY”
LA MUJER Y EL MAGUEY EN ¡QUE VIVA MÉXICO! Basilio Casanova
CURIOSIDADES
Eisenstein por Greenaway
“Mi tesis es que sus tres filmes, La
Huelga (1924), El acorazado Potemkin (1925)
y Octubre (1928) son muy diferentes de otros como Alexander
Nevsky (1938) o Iván el terrible (1944)…Después de México,
Eisenstein aprendió de sexo y muerte”
(Peter
Greenaway)
Eisenstein
in Guanajuato - Official Trailer - By Peter Greenaway
¿Por qué está tan seguro de que Eisenstein era gay?
No hay más que ver El acorazado Potemkin, con esos
cañones gigantescos disparando, con marineros que aparecen sin camiseta sin
ninguna razón. Se nota que estaba fascinado por ellos. Tenía una secretaria en
Moscú, Vera Atasheva, que estaba enamorada de él, pero para él era como su
hermana. Tenemos toda su correspondencia de cuando estuvo en México y ahí le
confesaba todo.
FUENTE: Parte del reportaje cuando P.G. presenta en Argentina: “Eisenstein
en Guanajuato”, https://www.jotdown.es/2019/06/peter-greenaway-serguei-eisenstein-era-como-los-personajes-de-big-bang-theory/
Los dibujos
erótico-pornográficos de Serguéi Eisenstein
Casi todos los dibujos, fueron iniciados durante su estancia en México en 1931, para la filmación de ¡Qué viva México!
Casi todos los dibujos, fueron iniciados durante su estancia en México en 1931, para la filmación de ¡Qué viva México!
Eisenstein y
sus dibujos eróticos en el Palacio de Bellas Artes
Entrevista con la
editora del Palacio de Bellas Artes, María Elena Rangel sobre la sala dedicada
al cineasta Serguei Eisenstein y sus dibujos eróticos en el marco de la muestra
"Vanguardia rusa, el vértigo del futuro"
Eisenstein por Néstor almendros
En 1991 el director de fotografía y cineasta Néstor Almendros
escribió un breve y agudo ensayo sobre la influencia que ejerció el
homosexualismo de Serguei Eisenstein —mencionado más de una vez pero nunca
demostrado a plenitud— en varias escenas de marineros de El acorazado
Potemkin.
LA ESTÉTICA OFICIAL
Después de 1930, la
exaltación nacionalista se vivía a través de las recreaciones de la revolución
o de las obras de fondo etnográfico, que derivaron finalmente en el
nacionalismo superficial de las comedias rancheras y de los melodramas
folclóricos.
El estado mexicano se
interesaría nuevamente, desde mediados de la década de los treinta, en el
empleo de la fuerte influencia de la cinematografía para elaborar no sólo
películas de propaganda y promocionales, sino un cine de “contenido social” y
de alcance masivo.
Redes, de Fred Zinnemann y Emilio Gómez Muriel, un
proyecto auspiciado por la Secretaría de Educación Pública, y la película Janitzio de
Carlos Navarro, ambos realizados en 1934, se inspiraban en la estética
eisensteiniana con reminiscencias del “héroe colectivo”y revalorizaban la vida
indígena.
Janitzio de Carlos Navarro
REDES de Fred Zinnemann
Los intentos de nutrirse
del nacionalismo fracasaron a pesar de la relevancia cinematográfica de mucho
de los filmes que se produjeron.
Paradójicamente, el vigor
nacionalista revolucionario generó una respuesta de corte reaccionario, de
carácter hispano católico y antiyanqui, que idealizaba al régimen porfirista y
al patriarcado rural de las haciendas.
Allá en el Rancho Grande posee como carácter distintivo una visión particular de lo mexicano: este nacionalismo, aunque deformado y adaptado a las necesidades del comercio, logró una total identificación con las mayorías rurales de Latinoamérica; con ella concluye un período de experimentación y se sientan las bases de la futura “época de oro” del cine mexicano.
Allá en el Rancho Grande posee como carácter distintivo una visión particular de lo mexicano: este nacionalismo, aunque deformado y adaptado a las necesidades del comercio, logró una total identificación con las mayorías rurales de Latinoamérica; con ella concluye un período de experimentación y se sientan las bases de la futura “época de oro” del cine mexicano.
FUENTE: Albores del
cine mexicano. - Federico Dávalos Orozco - Ed. Clío- 1996
Las calaveras de José Guadalupe Posada, el padre de la Catrina
José Guadalupe Posada es
conocido por ser el creador de la Catrina y aunque es una de sus
obras más famosas, las calaveras tuvieron fuerte presencia en su trabajo, mezcladas
con temas de humor y satíricos sobre la política y sociedad mexicana de
principios de siglo.
Las calaveras de Posada la
mayoría de las veces son asociadas con el Día de Muertos. Sin embargo, en
ellas mostró la vida cotidiana y las actitudes sociales del pueblo mexicano.
Las calaveras lucen vestidas de gala, en fiesta de barrios, en bicicleta, enamoradas,
en las casas de los ricos, montadas a caballos, pero siempre mostrando un lado
crítico sobre los errores políticos del país. Como el caso La Catrina o La
Calavera garbancera, retomada años después por Diego Rivera, que representa una
burla a los garbanceros, es decir aquellos con sangre indígena enriquecidos
durante el Porfiriato que despreciaban sus orígenes y costumbres, copiando
modas europeas.
José Guadalupe Posada nació el 2
de febrero de 1852, en Aguascalientes. Comenzó su carrera haciendo
dibujos, copiando imágenes religiosas y como ayudante de un taller de cerámica.
Fue prendiz en un taller litográfico. Algunas de sus primeras caricaturas de crítica
política fueron publicados en “El Jicote”, periódico de oposición al gobierno.
En 1872, Posada decide instalarse en León, Guanajuato, se dedicó a la
litografía comercial, abrió su propio taller. A finales de 1888 se trasladó a
la Ciudad de México, en donde aprendió el oficio de técnicas de grabado, hasta
que pudo establecer su propio taller litográfico. A partir de entonces Posada
emprendió un trabajo que le valió la aceptación y admiración popular, por su
sentido del humor y calidad plástica. El artista falleció en la Ciudad de
México el 20 de enero de 1913
Aunque su obra fue diversa y
popular, el grabador no fue tan reconocido como otros artistas contemporáneos.
De hecho, hasta su muerte comenzó la valoración de su estética como verdadero
arte popular, y gracias al reconocimiento de Diego Rivera su
trabajo tuvo más difusión, considerándolo el prototipo del artista del pueblo y
su defensor más aguerrido, incluso Rivera se autoproclamó hijo de Posada y de
la Catrina en su mural Sueño de una tarde de domingo en la Alameda.
“Tan grande
como Goya, Posada fue un creador de una riqueza inagotable. Ninguno lo imitará;
ninguno lo definirá. Su obra es la obra de arte por excelencia.”
Diego Rivera
Diego Rivera
“La muerte es
democrática, ya que a fin de cuentas, güera, morena, rica o pobre, toda la
gente acaba siendo calavera.”
José Guadalupe Posada
José Guadalupe Posada
Hasta los huesos / Down to the bone (Short Film) (HD)
Director:
René Castillo
Writer:
René Castillo
Stars:
Bruno Bichir, Daniel Cubillo, Eugenia León... More info. http://www.imdb.com/title/tt0285599/
El multipremiado Hasta
los huesos es el segundo cortometraje del mexicano René
Castillo. A simple vista, su premisa parece la de una historia clásica
de puro terror psicológico. Ésta da comienzo cuando un hombre está siendo
enterrado y, ya en el ataúd, recupera la consciencia. Aunque de poco
sirven sus golpes y gritos de ayuda: nadie le escucha y, antes de que pueda
hacer nada más, acaba cayendo al mundo de los muertos, rodeado de esqueletos
que danzan y beben sin parar mientras nuestro protagonista trata de encontrar
una forma de salir de ahí.
Pero a medida que avanzamos y el
protagonista se hace más consciente de la realidad de su situación, el terror
da paso a la resignación, la resignación a la aceptación, y la aceptación al
gozo. Es ésta, por tanto, una historia sobre la aceptación de la muerte por
parte de un alma que se autoengaña creyendo que sigue viva y que no pertenece a
ese mundo. Así es como esta narración adquiere un componente de exploración
existencial, culminando en una hermosa catarsis final por la que merece la pena
todo lo mostrado anteriormente.
No hay que llevarse a engaño, en
cualquier caso. El que nos ocupa es un cuento divertido y ligero, más una visión
lúdica del tema que un comentario en profundidad sobre sus dilemas
existenciales. Y, por encima de todo, su valor como narración es el de
reflejar una relación cultural con la muerte que a quienes no estamos
familiarizados con el folklore mexicano nos puede resultar muy llamativa. Una
visión de la muerte como un escenario y transición inevitables, pero que lejos
del horror y la angustia tiene mucho de celebración y, al fin y al cabo,
paradójicamente, de vida. Es esta sensación de estar en un entorno amigable,
lleno de vitalidad a pesar de estar rodeado de cadáveres, lo que puede llegar a
chocar de esta historia.
En cualquier caso, esta
interesantísima descripción y la deriva narrativa que toma tal vez no
supondrían más que una anécdota curiosa, de no ser por la excelente ejecución
de la idea. Con un ritmo en el desarrollo de los acontecimientos que parece ser
una extensión del estado mental del protagonista, y con una música ágil hasta
llegar a la larga y arrebatadora secuencia final en la que la catrina canta “La
llorona” y todo parece congelarse en el tiempo, es sin embargo la animación lo
que hace de este cortometraje la obra tan memorable que puede llegar a
ser. El dominio de la animación por plastilina es ciertamente
asombroso, dando expresividad a muñecos sin rostro, reflejando de maravilla la
tensión y el terror en la cara de nuestro protagonista, y jugando con habilidad
con el montaje y la perspectiva. La recreación visual al completo, en sus
colores, movimientos y expresiones faciales, le da una estética única y es sin
duda lo más digno de aplauso de este corto.
Es posible que Hasta
los huesos no sea un cortometraje de hondas reflexiones y
profundidad discursiva, y desde luego no esconde una simbología intrincada ni
una gran cantidad de interpretaciones, pero como acercamiento a una
construcción cultural que me es ajena es poco menos que impresionante, y en su
sencillez y falta de intenciones de ofrecer algo sumamente complejo demuestra
unos méritos fuera de toda duda, con una estética que cala y, en conjunto, una
experiencia fascinante en su habilidad para aprovechar y sacar ventaja del
potencial expresivo del medio.
http://www.cinemaldito.com/hasta-los-huesos-rene-castillo/
El cine Industrial
La clase media industrial
fílmica, se atrinchera en su visión del mundo, amenazados y a contrapelo del
proceso histórico revolucionario, construyen un imaginario donde se idealiza
la hacienda Porfiriana generando historias dentro de un
marco semi-feudal, sin conflictos sociales, prefiriendo el género de la comedia,
los dramas de ciudad y temas cristianamente moralizantes.
Santa (canción) 1931 - Carlos Orellana
Primera película sonora
Santa es enamorada por
Marcelino (Reed), un soldado que la engaña y después la abandona ella es rechazada
por su familia y es expulsada de Chimalistac. Para sobrevivir Santa se ve
obligada a emplearse en un prostíbulo, hecho que la convertirá en una mujer
cínica y desgraciada. En el burdel, Santa se encuentra inmersa en un triángulo
amoroso, ya que está enamorada del torero Jarameño (Martínez Casado) quien la
desprecia, pero es además amada secretamente por el pianista ciego del lugar,
Hipólito (Orellana).
1939 / 1945
Los años dorados del cine mexicano
Los verdaderos "años
dorados" corresponderían a los coincidentes con la Segunda Guerra Mundial.
La influencia alemana en Argentina era fuerte, en buena medida debido a la presencia de un gran número de inmigrantes alemanes y la rivalidad tradicional de Argentina con Gran Bretaña, fundamentando la creencia de que el gobierno argentino respaldaba la causa del Eje.
Debido a los lazos cercanos entre Alemania y Argentina, esta última se mantuvo neutral durante la mayor parte de la contienda, a pesar de las disputas internas y la presión de los Estados Unidos para forzar a Argentina a unirse a los Aliados.
Esta actitud hizo que EEUU le sacara el apoyo comercial, técnico y de distribución a la cinematografía Argentina y se volcara a fortalecer el cine Mexicano para distribuir sus películas al mercado latino.
En 1939, durante la Segunda Guerra Mundial, la industria cinematográfica de Estados Unidos y Europa recibió un gran golpe, ya que los materiales, anteriormente destinados a la producción de cine, ahora se estaban destinados a la nueva industria armamentista.
Muchos países empezaron a enfocarse en la realización de películas de guerra, dejándole la oportunidad a México, de producir películas comerciales para el mercado mexicano y latinoamericano. Este ambiente cultural favoreció el surgimiento de una nueva generación de directores y de actores considerados hasta la fecha, iconos en México y en los países hispanohablantes.
- Durante esta época, destacan estrellas importantes
como: María Félix, Dolores del Río, Mario Moreno, Pedro
Armendáriz, Pedro Infante y Jorge Negrete, entre otros.
- La Comedia Ranchera.
- Películas de Melodramas:
- (Revolucionario, Indigenista, Prostibulario)
El melodrama y La Comedia Ranchera
Jorge Negrete - Allá En El Rancho Grande
(Remasterizado)
Allá En El Rancho Grande (película completa)
Primer clásico del cine
mexicano que promovió su internacionalización, ALLA EN EL RANCHO GRANDE (1948),
estrenada con subtítulos en inglés en EUA y ganadora de premio a la mejor
fotografía (Gabriel Figueroa) y sienta las bases de un género
denominado COMEDIAS RANCHERAS que daría muchas secuelas hasta
agotar las posibilidades expresivas.
Allá en el rancho grande fue la película que inició la moda del cine mexicano a nivel continental, signando el camino para la eclosión del cine mexicano en tanto industria. La trama, en líneas generales, se desarrolla en la hacienda Allá en el Rancho Grande, donde se educan juntos dos niños: el hijo del patrón y el ahijado del peón. Con el tiempo, uno llega a patrón y el otro a caporal. El conflicto se desata cuando el caporal decide casarse con Cruz, una hermosa mujer que toda la hacienda desea. Cruz es vendida por su madrina, un ser inescrupuloso, al patrón, desencadenando el conflicto entre el caporal y el patrón. A su vez, el segundo está en deuda con el primero, puesto que le ha salvado la vida interponiéndose entre una bala y el patrón al que iba dirigida. En la película encontramos canciones a granel, duelos de coplas en la cantina, carreras de caballos, peleas de gallos, serenatas, malos entendidos, castigos a la proxeneta fallida, reconciliación, armonía entre las clases sociales y un matrimonio múltiple para coronar un happy end en ese paraíso rural.
Allá en el rancho grande fue la película que inició la moda del cine mexicano a nivel continental, signando el camino para la eclosión del cine mexicano en tanto industria. La trama, en líneas generales, se desarrolla en la hacienda Allá en el Rancho Grande, donde se educan juntos dos niños: el hijo del patrón y el ahijado del peón. Con el tiempo, uno llega a patrón y el otro a caporal. El conflicto se desata cuando el caporal decide casarse con Cruz, una hermosa mujer que toda la hacienda desea. Cruz es vendida por su madrina, un ser inescrupuloso, al patrón, desencadenando el conflicto entre el caporal y el patrón. A su vez, el segundo está en deuda con el primero, puesto que le ha salvado la vida interponiéndose entre una bala y el patrón al que iba dirigida. En la película encontramos canciones a granel, duelos de coplas en la cantina, carreras de caballos, peleas de gallos, serenatas, malos entendidos, castigos a la proxeneta fallida, reconciliación, armonía entre las clases sociales y un matrimonio múltiple para coronar un happy end en ese paraíso rural.
La COMEDIA
RANCHERA era una mezcla de COMEDIA COSTUMBRISTA, con ABUNDANTES
NÚMEROS MUSICALES y con una agitada HISTORIA DE CELOS,
teniendo como escenario un RANCHO del campo mexicano, con el
que parece concentrarse toda la riqueza folclórica del país.
Características
de la COMEDIA RANCHERA
Mezcla de comedia costumbrista
Abundantes números musicales
Historias de celos
Tiene como escenario EL RANCHO del
campo Mexicano.
Culto al Macho Mexicano
Los conflictos son siempre de
Honor o Amor, no Sociales.
En todos estos filmes hay
algo en común, la presencia de las jovencitas enamoradas, los machos héroes y
simpáticos, el canto y el buen humor. Sin importar la provincia o región, el
escenario ideal siempre es el pueblo impecable, la plaza mayor con su
pintoresco kiosco o el atrio de la iglesia local.
Obviamente no podía
faltar la cantina y la hacienda en donde se desarrollan muchos de los momentos
más emocionantes. En la taberna se ahogan las penas o se enfrentan los
rencores; en la hacienda aparecen los trajes de manta y los vestuarios de lujo.
No obstante, lo que le pone el sello característico a estas producciones es la
música sobre cualquier drama. En la comedia ranchera se desarrolla el culto al
macho mexicano. Los buenos son notables triunfadores y los malos muy villanos,
pero casi siempre redimibles. Los conflictos son siempre de honor o de amor.
Museum
Exhibition /// Under the Mexican Sky: Gabriel Figueroa
Gabriel Figueroa
GABRIEL
FIGUEROA NEW
Cinefotógrafo mexicano. Entre
sus trabajos más destacados está la fotografía de las películas Allá en el
Rancho Grande, Candelaria, Rio Escondido, Los olvidados, Enamorada, entre
muchas otras que influenciaron el arte y contribuyeron en la construcción de
identidad del mexicano.
Las prácticas cinematográficas desarrolladas durante la Época de Oro del cine mexicano contribuyen a la colonización de un imaginario social.
Esto, en la medida en que presentan un mundo socioculturalmente heterogéneo como el mexicano, a través de un conjunto limitado de personajes y estilos de vida que se convierten en el epítome de "lo mexicano".
Así, las películas de la Época de Oro naturalizan en la pantalla aquello que debe ser entendido como la esencia de la "mexicanidad" y con esa naturalización se instala en el imaginario social la ideología del multiculturalismo restringido.
El melodrama ha trabajado como un normativo social.
Charles Taylor, quien sostiene que el imaginario social es el modo en que las personas imaginan su existencia social, su entorno social, "que se manifiesta a través de imágenes, historias y leyendas. (...) Lo interesante del imaginario social es que lo comparten amplios grupos de personas. (...) El imaginario social es la concepción colectiva que hace posibles las prácticas comunes y un sentimiento ampliamente compartido de legitimidad. (...) Nuestro imaginario social en cualquier momento dado es complejo. Incorpora una idea de las expectativas normales que mantenemos unos respecto a otros, de la clase de entendimiento común que nos permite desarrollar las prácticas colectivas que informan nuestra vida social. (...) Esta clase de entendimiento es (a) un tiempo fáctico y normativo; es decir, tenemos una idea de cómo funcionan las cosas normalmente, que resulta inseparable de la idea que tenemos de cómo deben funcionar y del tipo de desviaciones que invalidarían la práctica" (Taylor, Charles, Imaginarios sociales modernos, Paidós, Barcelona, 2006. 37-38).
1946 Enamorada es un Melodrama
Revolucionario
En tiempos de la
revolución, las tropas zapatistas del general José Juan Reyes (Pedro Armendáriz) toman la tranquila y
conservadora ciudad de Cholula. Mientras confisca los bienes de los ricos del
pueblo, el general Reyes se enamora de la bella, rica e indomable Beatriz
Peñafiel (María Félix), hija del hombre más notable de Cholula.
El desprecio inicial que Beatriz siente hacia el revolucionario da paso a la
curiosidad y, finalmente, a un profundo y auténtico amor.
Enamorada es la película que consagra a María Félix como una de las actrices más importantes del periodo y a Emilio Fernández como uno de los directores más destacados de la Época de Oro. Enamorada se desarrolla en tiempos de la Revolución Mexicana. Las tropas zapatistas del general José Juan Reyes toman la tranquila y conservadora ciudad de Cholula. Mientras confisca los bienes de los ricos del pueblo, el general Reyes se enamora de la bella, rica e indomable Beatriz Peñafiel, hija del hombre más acaudalado de Cholula. El desprecio inicial que Beatriz siente hacia el revolucionario da paso a la curiosidad y, finalmente, a un profundo y auténtico amor. La película está dividida en dos partes: la primera hace referencia directa a la Revolución, durante la cual el general Reyes se muestra implacable con la burguesía de Cholula, y en la segunda el general se enamora, y la causa revolucionaria queda subordinada al amor que siente por Beatriz, quien finalmente cede a su amor y abandona su bienestar burgués para devenir "soldadera", esa compañera inseparable del soldado revolucionario.
Enamorada es la película que consagra a María Félix como una de las actrices más importantes del periodo y a Emilio Fernández como uno de los directores más destacados de la Época de Oro. Enamorada se desarrolla en tiempos de la Revolución Mexicana. Las tropas zapatistas del general José Juan Reyes toman la tranquila y conservadora ciudad de Cholula. Mientras confisca los bienes de los ricos del pueblo, el general Reyes se enamora de la bella, rica e indomable Beatriz Peñafiel, hija del hombre más acaudalado de Cholula. El desprecio inicial que Beatriz siente hacia el revolucionario da paso a la curiosidad y, finalmente, a un profundo y auténtico amor. La película está dividida en dos partes: la primera hace referencia directa a la Revolución, durante la cual el general Reyes se muestra implacable con la burguesía de Cholula, y en la segunda el general se enamora, y la causa revolucionaria queda subordinada al amor que siente por Beatriz, quien finalmente cede a su amor y abandona su bienestar burgués para devenir "soldadera", esa compañera inseparable del soldado revolucionario.
1943 María Candelaria es un Melodrama Indigenista
A principios del siglo XX
una pareja de indígenas enamorados planea casarse, a pesar de que la población
repudia a la joven por ser hija de una prostituta, además que el avaro tendero
del pueblo desea a la joven; cuando la novia enferma de paludismo el joven
rechaza la medicina tradicional y sustrae quinina para atender a la joven,
además de tomar un vestido en la tienda para la boda, con lo que desencadena
una tragedia para la joven pareja de enamorados, al dar paso a un motín en su
contra.
"María Candelaria"
María Candelaria – filme completo
1948 Salón México - melodrama prostibulario
Una joven trabaja como
cabaretera en el Salón México, para sostener los estudios de su hermana menor
en un exclusivo colegio de señoritas, quien no sospecha a qué se dedica su
hermana y sueña con casarse con un joven piloto del Escuadrón 201, que además
es hijo de la directora del colegio. Los problemas económicos de la prostituta,
para pagar los lujos de su hermana, se agravan, por lo que acepta participar
con su proxeneta en un concurso de baile en el cabaret; cuando ganan el
concurso de danzón, el explotador se niega a compartir el premio y la prostituta,
desesperada, le roba el dinero mientras él duerme, lo que generará toda una
serie de complicaciones en la doble vida de la joven.
Salón México – filme completo
Emilio Fernandez
/La
historia detrás del mito.
EMILIO "INDIO"
FERNANDEZ entrevistado por Joaquín Soler Serrano
EMILIO
"INDIO" FERNANDEZ entrevistado por Joaquín Soler Serrano (1978) 1 de
2
EMILIO
"INDIO" FERNANDEZ entrevistado por Joaquín Soler Serrano 2 de 2
CURIOSIDAD
'El Indio' Fernández, el hombre
que sirvió como modelo para las estatuillas de los Oscars
Emilio Indio Fernández
en Janitzio y estatuilla del Oscar
Hijo de un inmigrante español y
una india Kikapú, Emilio Fernández
Romo fue un destacado director, actor y productor de cine mexicano
conocido por el alias de 'El Indio'.
Siendo muy joven participo en la fallida rebelión delahuertista con el grado de teniente coronel de caballería.
Por esta insurrección fracasada Emilio es detenido y conducido a prisión, no tarda en fugarse y abandonar el país. Huye a Los Ángeles donde se gana la vida como lavaplatos, camarero, estibador, ayudante de imprenta, y finalmente, albañil en construcciones cercanas a los estudios de Hollywood; circunstancia que favoreció su entrada casual en el cine como extra y doble de estrellas de la talla de Douglas Fairbanks.
Siendo muy joven participo en la fallida rebelión delahuertista con el grado de teniente coronel de caballería.
Por esta insurrección fracasada Emilio es detenido y conducido a prisión, no tarda en fugarse y abandonar el país. Huye a Los Ángeles donde se gana la vida como lavaplatos, camarero, estibador, ayudante de imprenta, y finalmente, albañil en construcciones cercanas a los estudios de Hollywood; circunstancia que favoreció su entrada casual en el cine como extra y doble de estrellas de la talla de Douglas Fairbanks.
Otra casualidad fue como llego a
ser el modelo inspirador de las estatuillas de los Oscars.
En 1928 su amiga la actriz
mexicana Dolores
del Río, casada con el magnate cinematográfico Cedric Gibbons, le
convence para que pose desnudo como modelo para lo que hoy se conoce como
"Óscar".
Es así como 'El Indio' posó para
Gibbons, el diseñador del caballero que sostiene una espada, de pie sobre un
rollo de película. Carrete con cinco círculos que representan las cinco ramas
originales de la Academia: actores, directores, productores, técnicos y
escritores.
Cedric Gibbons realizo los bocetos en 1927, dibujando sobre un mantel del banquete del Hotel Biltmore de Los Ángeles, en el que los miembros de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas decidieron crear un premio para impulsar la calidad de la industria del cine.
Cedric Gibbons realizo los bocetos en 1927, dibujando sobre un mantel del banquete del Hotel Biltmore de Los Ángeles, en el que los miembros de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas decidieron crear un premio para impulsar la calidad de la industria del cine.
Posteriormente el escultor
George Stanley materializó en tres dimensiones el dibujo de Gibbons. Stanley
junto a Gustav
Vigeland son, además los autores de la Medalla del Premio
Nobel de la Paz .
El diseño de la estatuilla
dorada nunca ha cambiado desde la idea original. Oficialmente denominado Premio
de la Academia al Mérito, es más conocida por su sobrenombre, Oscar, cuyo
origen no se conoce con exactitud.
Una historia cuenta que a la
biblotecaria de la Academia Margaret Herrick ,
la estatuilla le recordaba a su tío Oscar y cuando lo dijo, el personal de la
Academia comenzó a llamarla asi. La misma Academia no usó ese sobrenombre de
forma oficial hasta el año 1939.
Los ´50
•BUÑUEL
•CINE DE LUCHADORES
•CINE DE RUMBERAS
•CANTINFLAS
SANTO “EL
ENMASCARADO DE PLATA”
•Los antecedentes
de la lucha libre mexicana se remontan hacia 1863, durante
la Intervención francesa en México, durante el gobierno
de Benito Juarez al negarse pagar la deuda externa.
•El Santo (23
de septiembre de 1917-5 de febrero de 1984) es el nombre artístico de Rodolfo
Guzmán Huerta, un luchador profesional y actor mexicano.
•Las dos primeras
películas de Santo, Santo contra el Cerebro Diabólico y Santo
contra los Hombres Infernales, ambas estrenadas en 1958.
•La filmación se
llevó a cabo en Cuba, y el rodaje terminó un día antes que Fidel Castro
entrara en La Habana y declarase la victoria de la revolución cubana.
LAS 7 MEJORES PELÍCULAS
DEL SANTO.
CINE CHICANO
•Nació como proyección de la
población de origen mexicano que vive en estados unidos, cuya identidad se
define por el cruce de ambas culturas.
•los cineastas chicanos surgen
en los años ´60.
•el filme precursor fue “la
sal de la tierra” (1952 – dir herbert biberman) sobre
los “espaldas mojadas” que atraviesan ilegalmente la frontera de estados unidos
en busca de trabajo. Los diálogos son en inglés y castellano.
Salt
of the Earth 1954 trailer
CÉSAR CHÁVEZ, película
dirigida por diego luna sobre el líder activista en
favor de los derechos campesinos en estados unidos.
La película es protagonizada por
Michael Peña como César Chávez y le acompañan John Malkovich, Rosario
Dawson, America Ferrera Y Wesbentley.
"César
Chávez", la historia de un líder campesino-dirigida por Diego Luna -
Buñuel y “la mirada social”
Merece citarse en este
período la obra de Luis Buñuel (1900 – 1983).
Es importante recalcar
que Luis Buñuel era de origen español y perteneciente al movimiento
surrealista europeo. Tras la guerra civil española se exilia en USA
donde ocupa cargo en el MOMA de NY. Entre 1944 y 1946 trabaja para la Warner.
Venía de Hollywood, llega
a México en 1946 y después de 15 años de inactividad como director realiza ese
mismo año Gran Casino, melodrama cómico – musical con Jorge
Negrete y Libertad Lamarque, una película sin éxito. Mejor
suerte tuvo con El gran calavera (1949) que cuenta la historia
de un hombre rico que se hace pasar por pobre para ver las reacciones de
quienes lo rodean. Es de destacar que estas películas fuero realizadas por
encargo del productor Óscar Dancigers.
De su etapa mexicana cuenta con películas como Los olvidados, Él, Subida al cielo, La ilusión viaja en tranvía y Nazarín, por mencionar algunas. Toda su obra en dicho país es considerada como cine mexicano.
De su etapa mexicana cuenta con películas como Los olvidados, Él, Subida al cielo, La ilusión viaja en tranvía y Nazarín, por mencionar algunas. Toda su obra en dicho país es considerada como cine mexicano.
LUIS BUÑUEL EN MÉXICO
El espléndido
creador aragonés no oculta su mirada esperpéntica ni la sátira a los poderes
establecidos.
Por Ricardo Manetti
El único país del mundo donde
pudo desarrollarse la mayor parte de la obra de Luís Buñuel es México.
El sincretismo cultural de ese
territorio, entre otras cosas, lo hizo posible: la convivencia entre lo
español y lo indio, lo sacro y lo profano, la vida y la muerte, la Malinche y
la Virgen de Guadalupe, el macho y la prostituta, el
sistema feudal del Rancho Grande y la modernización expuesta en las grandes
urbes. En definitiva, es en la miseria y la riqueza (social y moral) donde
los tres grandes sistemas del poder –la burguesía, la iglesia y los
militares- (la llamada Santísima Trinidad Buñueliana) – adoptan las formas
de un Estado represivo y oscurantista, según el pensamiento marxista
expuesto –muchas veces satíricamente- por el realizador español.
Luis Buñuel encontró en tierra
Azteca el contexto propicio para continuar con casi todos los postulados enunciados
en su filmografía anterior: la confrontación entre el principio de
placer y la realidad, la crítica a la moral burguesa, la mueca irónica para
describir el sometimiento de culpa expuesto por la institución Iglesia y las recurrencias
a los textos del Marqués de Sade al describir las relaciones morales entre los
individuos de una sociedad donde está en crisis la existencia de Dios.
Los comienzos del cine de Buñuel
en México, lo desarrolla dentro del modelo genérico – sainetes
y melodramas- impuesto por la industria cinematográfica mexicana. Utiliza los
géneros –en especial el melodrama- para subvertir desde ellos el
sentido narrativo-ideológico que sustentan.
Historias de
vida - Luis Buñuel
En Los olvidados (1950)
y en El bruto (1952) invierte el sentimentalismo
demagógico (Buñuel no cree en la caridad de los pobres ni en la
salvación en el reino de los cielos) con que generalmente presenta a los
sectores más humildes el cine mexicano (se hace especial referencia a la
trilogía filmada por Ismael Rodríguez e interpretadas por Pedro infante entre
1947 y 1952, Nosotros los pobres, Ustedes los ricos y Pepe
el Toro).
Los Olvidados
(Los Olvidados, 1950). De Luis Buñuel. TRAILER
Para los personajes de Los
olvidados no existe salvación individual. Desde la mirada
buñuelesca son todos monstruosos; la única posibilidad de dejar de serlo radica
en una transformación social.
La visión idealizada de la vida
en la hacienda mexicana, que propone la comedia ranchera, “Salta
dinamitada en Susana / Demonio y carne (1950)”, según
Víctor Fuentes, que agrega: “La provincia, tan congratulada por el cine
mexicano, aparece en Subida al cielo (1951), El río y
la muerte (1954) o en Nazarín (1958) desmitificada,
desnuda de toda la bambolla ornamental y retórica en que se basan las producciones
de la vida provincial llevadas a la pantalla por el binomio Indio
Fernández-Gabriel Figueroa”.
Las represiones impuestas por
el orden católico-burgués son exploradas en especial en El
(1952), en Abismo de pasiones (1953,
adaptación de la novela gótica Cumbres Borrascosas) y
en Ensayo de un crimen/la vida criminal de Archibaldo de la Cruz (1955)
obras claves en la filmografía del realizador, que se emparientan con sus
trabajos surrealistas.
Las 20
mejores películas de Luis Buñuel
En él se plantea el tema del
viaje iniciático también presente en Subida al cielo y
en La ilusión viaja en tranvía (1953) –con que el sacerdote
(Francisco Rabal) de la historia, muta de un empeñado misticismo a reconocerse
como un pobre hombre. Para Marcel Martin, el sermón de Luis Buñuel
es: “La única posibilidad que tiene el hombre de empezar a ser
hombre estriba solamente en que sea capaz de desembarazarse del Dios Padre,
Madre, Hijo y Espíritu Santo, de sus profetas y enviados, de sus victimarios,
sus esbirros y sus santos”. Para demostrarlo, Buñuel construye como
últimos textos de su paso por el cine mexicano El ángel
exterminador (1962) y Simón del desierto (1966).
FUENTE:
Ricardo Manetti – Revista La Nación – Cien años de Cine – 1995
Luis Buñuel
estética y poética
El encierro - El ángel
exterminador (1962)
La soledad- Robinson
Crusoe (1952)
El erotismo y la muerte- Ensayo de
un crimen (1955)
Los celos / degradación
sentimental- (Él, 1952)
imposibilidad de
realización personal - Los olvidados (1950)
la imposibilidad de realización
de los deseos ocultos, el absurdo y la casualidad como motores de la realidad y
la crítica a los órdenes establecidos (tradición-religión-sexualidad-poder...),
como culpables de la infelicidad humana.
Del Surrealismo al
Realismo Mágico
Alejo Carpentier, estuvo vinculado al movimiento surrealista francés en los años treinta.
El cine de los ´50: el surrealismo cinematográfico llega a este grupo de artistas e intelectuales latinoamericano por la versión de Luis Buñuel de la etapa mexicana, durante la cual entabló amistad con escritores como José Donoso, Gabriel García Márquez, Julio Cortazar y Carlos Fuentes.
Alejo Carpentier, estuvo vinculado al movimiento surrealista francés en los años treinta.
El cine de los ´50: el surrealismo cinematográfico llega a este grupo de artistas e intelectuales latinoamericano por la versión de Luis Buñuel de la etapa mexicana, durante la cual entabló amistad con escritores como José Donoso, Gabriel García Márquez, Julio Cortazar y Carlos Fuentes.
Don Luis Buñuel, padrino del 'boom'
José DONOSO (1924-1997) en "EL BOOM
LATINOAMERICANO" A FONDO
Representantes del llamado "boom" latinoamericano hicieron a Buñuel con motivo del envío de algunas de sus obras. En concreto, aquí están las de Alejo Carpentier, Álvaro Mutis, Carlos Fuentes, Miguel Ángel Asturias y Gabriel García Márquez (el libro dedicado es Los funerales de Mamá Grande). Se trata de un testimonio visual en el que el denominador común es la admiración que sentían estos escritores por Buñuel, cuya obra les influyó de una manera u otra.
José Donoso,
García Márquez, Vargas Llosa, Carlos Fuentes... La gran generación del “Boom”
de escritores sudamericanos se cartearon con el cineasta español, al que
idolatraban, como prueban las cartas rendidas que le remitieron Julio Cortázar,
José Donoso, Álvaro Mutis o García Márquez, como desvela Carlos Fuentes en su
libro Diana o la cazadora solitaria, como se comprueba en las dedicatorias
enviadas por autores como los citados, además de Miguel Ángel Asturias o Alejo
Carpentier, que guardaba el cineasta en su archivo.
Javier Herrera, experto en el director de Viridiana, ha estudiado a fondo ese puente que conecta dos acontecimientos únicos de la identidad cultural creada en español a lo largo del siglo XX: el cine de Buñuel y el boom literario. Así como también ha descubierto otras pistas de interés en ellos por parte de don Luis. "Quiso adaptar Pedro Páramo, de Juan Rulfo".
La prueba es el ejemplar completamente acotado por comentarios de guion cinematográfico que guardaba en su biblioteca y que Herrera ha examinado con detalle. "No extraña nada. Al igual que en los mundos de García Márquez, a Buñuel y a Rulfo también les fascinaba la cochambre, esas casas desconchadas, esa presencia de espectros". "Hubiese sido la única adaptación válida para un libro así", comenta el cineasta Manuel Gutiérrez Aragón.
Pero, ¿qué tenía Buñuel que producía la admiración sin fisuras de toda esa generación? ¿Su surrealismo? ¿Su icono de leyenda viva? ¿Su radicalismo iconoclasta? Todo eso, pero ante todo una voz omnipresente en cada obra.
Lo recuerda Carlos Fuentes: "No era tanto que él se fijara en nosotros, como nosotros en él. Tanto García Márquez como yo, que lo tratamos a fondo, admirábamos su libertad, su rebeldía. En cualquier cosa que rodara, lo encontrabas a él".
Lo mismo apunta Mario Vargas Llosa, que lo conoció en París y no en México como el resto. "Se las arregló para imprimir su sello personal en cada película. Reconocemos a Buñuel en toda su obra y eso, más en un medio como el cine, es una rareza", apunta el premio Nobel. Es lo mismo que sostiene Álvaro Mutis, que le envió dedicados varios de sus libros y una carta relatándole el impacto que le produjo Viridiana. "En todo lo que filmaba estaba él entero, su personalidad, su ser".
La impronta es lo que les subyugaba. Pero también la leyenda. El privilegio de poder tratar con alguien que no solo había vivido, sino que había formado parte activa de las vanguardias en París. Concretamente, de pasar a la historia como un referente activo del surrealismo después de haber impactado a todo el mundo junto a Salvador Dalí inventándose Un perro andaluz y La edad de oro. "En Un perro andaluz, él niega la misma esencia del cine cortándose el ojo", comenta Fuentes. "Para nosotros Buñuel era la verdad vivida, la experiencia directa de aquel tiempo", afirma Mutis.
Y un maestro en incorporar los vericuetos del subconsciente a un campo de impulsos y reacciones desconocidas. "Construyó su mundo de manera obsesiva, un mundo que tenía que ver con la fantasía y el surrealismo, era genuino", añade Vargas Llosa.
Pero el interés parecía mutuo en algunos casos, por frustrantes que fueran. Si la tentativa de rodar una película escrita por García Márquez -el caso de Es tan fácil que hasta los hombres pueden- se fue al traste, tampoco cuajaron otros proyectos con Cortázar y José Donoso. Del autor de Rayuela, Buñuel quiso adaptar un cuento. Se trata de Las ménades, un relato incluido en Final de juego. La carta que Cortázar envía al maestro no deja lugar a dudas de su devoción, así como de su sentido práctico: "Nunca creí que tendría la suerte de poder escribirle personalmente para decirle lo que su cine ha significado para los argentinos de mi generación que alguna vez se acercaron en su juventud a la maravilla pura de La edad de oro y sintieron que no todo estaba perdido mientras hubiera poetas como usted, rebeldes como usted".
¡Poetas como usted, rebeldes como usted! Estaba claro que le consideraban en su mismo rango. Pero Cortázar, antes de entrar al trato, va más allá: "Por todo eso, usted es una de las pocas razones por la que estoy contento de haber vivido en este tiempo. Se lo digo así, sin vueltas, porque sé que usted me va a comprender". Parecen sinceras las palabras del escritor, aunque luego pase el recibo: "Me incomoda hablar de dinero después de todo lo que le he dicho más arriba, pero los malos tragos hay que pasarlos pronto. Mi propuesta es de 4.000".
El dinero no fue problema para su amigo José Donoso. El escritor chileno también deliró ante el interés real que Buñuel demostró para rodar El lugar sin límites. La correspondencia entre ambos no tiene desperdicio. Donoso le escribe: "Me imagino que toda España estará persiguiéndolo, pero si tiene un momento libre, nada me gustaría más que pasar a saludarlo o que se viniera a tomar un vino conmigo, mi mujer y mi perro".
La amistad entre ambos cuaja. También la confianza. En cuanto a los derechos, Donoso propone: "Yo sería capaz de aceptar lo que me propusieran". Y amenaza, en broma: "Tengo que comunicarte que hoy me traen seis toneladas de leña. Son para hacer la fogata en que quemaré tu foto si no me haces la película: te mandaré las cenizas. También te mandaré la cuenta de los psiquiatras míos, de mi mujer y de Pilarcita".
La cuenta del psiquiatra debió pasarla Donoso finalmente al régimen. El franquismo no estaba todavía preparado para ver ambas firmas en una película española. La censura prohibió el proyecto.
En pleno estallido del boom latinoamericano, Fuentes conoció al realizador español Luis Buñuel, que tenía una colección de armas de los siglos XVII y XVIII y tras ganar el León de Oro en el Festival de Venecia 1967 le confesó al autor que derretiría el premio “para fabricar balas”.
Javier Herrera, experto en el director de Viridiana, ha estudiado a fondo ese puente que conecta dos acontecimientos únicos de la identidad cultural creada en español a lo largo del siglo XX: el cine de Buñuel y el boom literario. Así como también ha descubierto otras pistas de interés en ellos por parte de don Luis. "Quiso adaptar Pedro Páramo, de Juan Rulfo".
La prueba es el ejemplar completamente acotado por comentarios de guion cinematográfico que guardaba en su biblioteca y que Herrera ha examinado con detalle. "No extraña nada. Al igual que en los mundos de García Márquez, a Buñuel y a Rulfo también les fascinaba la cochambre, esas casas desconchadas, esa presencia de espectros". "Hubiese sido la única adaptación válida para un libro así", comenta el cineasta Manuel Gutiérrez Aragón.
Pero, ¿qué tenía Buñuel que producía la admiración sin fisuras de toda esa generación? ¿Su surrealismo? ¿Su icono de leyenda viva? ¿Su radicalismo iconoclasta? Todo eso, pero ante todo una voz omnipresente en cada obra.
Lo recuerda Carlos Fuentes: "No era tanto que él se fijara en nosotros, como nosotros en él. Tanto García Márquez como yo, que lo tratamos a fondo, admirábamos su libertad, su rebeldía. En cualquier cosa que rodara, lo encontrabas a él".
Lo mismo apunta Mario Vargas Llosa, que lo conoció en París y no en México como el resto. "Se las arregló para imprimir su sello personal en cada película. Reconocemos a Buñuel en toda su obra y eso, más en un medio como el cine, es una rareza", apunta el premio Nobel. Es lo mismo que sostiene Álvaro Mutis, que le envió dedicados varios de sus libros y una carta relatándole el impacto que le produjo Viridiana. "En todo lo que filmaba estaba él entero, su personalidad, su ser".
La impronta es lo que les subyugaba. Pero también la leyenda. El privilegio de poder tratar con alguien que no solo había vivido, sino que había formado parte activa de las vanguardias en París. Concretamente, de pasar a la historia como un referente activo del surrealismo después de haber impactado a todo el mundo junto a Salvador Dalí inventándose Un perro andaluz y La edad de oro. "En Un perro andaluz, él niega la misma esencia del cine cortándose el ojo", comenta Fuentes. "Para nosotros Buñuel era la verdad vivida, la experiencia directa de aquel tiempo", afirma Mutis.
Y un maestro en incorporar los vericuetos del subconsciente a un campo de impulsos y reacciones desconocidas. "Construyó su mundo de manera obsesiva, un mundo que tenía que ver con la fantasía y el surrealismo, era genuino", añade Vargas Llosa.
Pero el interés parecía mutuo en algunos casos, por frustrantes que fueran. Si la tentativa de rodar una película escrita por García Márquez -el caso de Es tan fácil que hasta los hombres pueden- se fue al traste, tampoco cuajaron otros proyectos con Cortázar y José Donoso. Del autor de Rayuela, Buñuel quiso adaptar un cuento. Se trata de Las ménades, un relato incluido en Final de juego. La carta que Cortázar envía al maestro no deja lugar a dudas de su devoción, así como de su sentido práctico: "Nunca creí que tendría la suerte de poder escribirle personalmente para decirle lo que su cine ha significado para los argentinos de mi generación que alguna vez se acercaron en su juventud a la maravilla pura de La edad de oro y sintieron que no todo estaba perdido mientras hubiera poetas como usted, rebeldes como usted".
¡Poetas como usted, rebeldes como usted! Estaba claro que le consideraban en su mismo rango. Pero Cortázar, antes de entrar al trato, va más allá: "Por todo eso, usted es una de las pocas razones por la que estoy contento de haber vivido en este tiempo. Se lo digo así, sin vueltas, porque sé que usted me va a comprender". Parecen sinceras las palabras del escritor, aunque luego pase el recibo: "Me incomoda hablar de dinero después de todo lo que le he dicho más arriba, pero los malos tragos hay que pasarlos pronto. Mi propuesta es de 4.000".
El dinero no fue problema para su amigo José Donoso. El escritor chileno también deliró ante el interés real que Buñuel demostró para rodar El lugar sin límites. La correspondencia entre ambos no tiene desperdicio. Donoso le escribe: "Me imagino que toda España estará persiguiéndolo, pero si tiene un momento libre, nada me gustaría más que pasar a saludarlo o que se viniera a tomar un vino conmigo, mi mujer y mi perro".
La amistad entre ambos cuaja. También la confianza. En cuanto a los derechos, Donoso propone: "Yo sería capaz de aceptar lo que me propusieran". Y amenaza, en broma: "Tengo que comunicarte que hoy me traen seis toneladas de leña. Son para hacer la fogata en que quemaré tu foto si no me haces la película: te mandaré las cenizas. También te mandaré la cuenta de los psiquiatras míos, de mi mujer y de Pilarcita".
La cuenta del psiquiatra debió pasarla Donoso finalmente al régimen. El franquismo no estaba todavía preparado para ver ambas firmas en una película española. La censura prohibió el proyecto.
En pleno estallido del boom latinoamericano, Fuentes conoció al realizador español Luis Buñuel, que tenía una colección de armas de los siglos XVII y XVIII y tras ganar el León de Oro en el Festival de Venecia 1967 le confesó al autor que derretiría el premio “para fabricar balas”.
CURIOSIDAD
BUÑUEL .
Buñuelóni
Buñueloni
Un cóctel con referencias surrealistas y cinematográficas. El director de cine aragonés y universal Luis Buñuel (1900-1983) fue un gran aficionado al Dry Martini, uno de los cócteles más clásicos, y consideraba el bar como “un lugar de meditación y recogimiento sin el cual la vida es inconcebible; en los bares he pasado largos ratos de ensueño, hablando rara vez con el camarero, invadido por cortejos de imágenes a cuál más sorprendente. El bar es un ejercicio de soledad, es una ceremonia” (de su libro de memorias Mi último suspiro, 1982). Fue tal su afición al mundo de la coctelería que creó un brebaje de su propia invención, una especie de Negroni modificado utilizando su ginebra favorita (Beefeater), un vermú dulce y otro, de carácter amargo y aromas a naranja, el carpano, un cóctel al que llamó Buñueloni.
Es precisamente el carpano lo que le da un sabor especial a este cóctel, amargo, especiado, no apto para paladares habituados a las bebidas endulzadas y más amables. Una bebida que toma su nombre de Antonio Benedetto Carpano (1764-1815), un destilador italiano al que se le considera inventor del vermú, de esa bebida que sirve de aperitivo para muchas comidas y que tantas veces consumimos actualmente. El carpano original es una mezcolanza de un vino blanco y una infusión de más de 30 hierbas y especias aromáticas. Una de sus variantes fue la original Punt e Mes, una bebida oscura y amarga con matices de cáscara de naranja que le da un sabor inconfundible. Es curiosa la denominación de este destilado, una frase piamontesa que tiene relación con el mundo de las iniciativas y de los negocios en los mercados. Parece ser que cuando a alguien le iba bien en las ventas, se daba un homenaje al pedir su aperitivo, pidiendo un punto y la mitad más, es decir, una medida y media, como para celebrar el éxito con un poquito más de bebida de lo habitual.
Anécdotas aparte, el Buñueloni resulta de la combinación de tres partes de ginebra, dos de carpano (Punt e Mes) y un golpe de vermú dulce.
Un cóctel con referencias surrealistas y cinematográficas. El director de cine aragonés y universal Luis Buñuel (1900-1983) fue un gran aficionado al Dry Martini, uno de los cócteles más clásicos, y consideraba el bar como “un lugar de meditación y recogimiento sin el cual la vida es inconcebible; en los bares he pasado largos ratos de ensueño, hablando rara vez con el camarero, invadido por cortejos de imágenes a cuál más sorprendente. El bar es un ejercicio de soledad, es una ceremonia” (de su libro de memorias Mi último suspiro, 1982). Fue tal su afición al mundo de la coctelería que creó un brebaje de su propia invención, una especie de Negroni modificado utilizando su ginebra favorita (Beefeater), un vermú dulce y otro, de carácter amargo y aromas a naranja, el carpano, un cóctel al que llamó Buñueloni.
Es precisamente el carpano lo que le da un sabor especial a este cóctel, amargo, especiado, no apto para paladares habituados a las bebidas endulzadas y más amables. Una bebida que toma su nombre de Antonio Benedetto Carpano (1764-1815), un destilador italiano al que se le considera inventor del vermú, de esa bebida que sirve de aperitivo para muchas comidas y que tantas veces consumimos actualmente. El carpano original es una mezcolanza de un vino blanco y una infusión de más de 30 hierbas y especias aromáticas. Una de sus variantes fue la original Punt e Mes, una bebida oscura y amarga con matices de cáscara de naranja que le da un sabor inconfundible. Es curiosa la denominación de este destilado, una frase piamontesa que tiene relación con el mundo de las iniciativas y de los negocios en los mercados. Parece ser que cuando a alguien le iba bien en las ventas, se daba un homenaje al pedir su aperitivo, pidiendo un punto y la mitad más, es decir, una medida y media, como para celebrar el éxito con un poquito más de bebida de lo habitual.
Anécdotas aparte, el Buñueloni resulta de la combinación de tres partes de ginebra, dos de carpano (Punt e Mes) y un golpe de vermú dulce.
Esta era la bebida favorita que
le preparaba el cineasta cada vez que se reunían en su casa ubicada en la
colonia Del Valle, los viernes por la tarde, de cuatro a siete. ¿La receta del
trago? "Mitad ginebra, un cuarto de cárpani y cuarto de Martini
dulce", evoca Fuentes en su último libro "Personas".
Dry Martini
homenaje Luis Buñuel
El discreto encanto del Martini de Buñuel
La receta de
Luis Buñuel para un martini seco –
de "El discreto encanto de la burguesía"
El Dry Martini es
sin duda el cocktail más famoso del mundo. Ya en Directo al paladar nos hemos
referido a
su origen y a algunos de los personajes famosos con los que se
relaciona el popular preparado, y cuya preparación ha generado más de un debate .
Pues hoy queremos destacar la
receta para preparar Dry Martini del gran maestro Luis Buñuel.
"En un bar, para inducir y
mantener el ensueño, hay que tomar gin inglés. Mi bebida preferida es el Dry
Martini. Dado el papel primordial que ha desempeñado el Dry Martini en esta
vida que estoy contando, debo consagrarle una o dos páginas (...) Básicamente
se compone de gin y unas gotas de vermouth, preferentemente 'Noilly-Prat'. Permítaseme
dar mi fórmula personal, fruto de larga experiencia, con la que siempre obtengo
un éxito bastante halagüeño. Pongo en la heladera todo lo necesario, copas,
ginebra y coctelera, la víspera del día en que espero invitados. Tengo un
termómetro que me permite comprobar que el hielo está a unos veinte grados bajo
cero. Al día siguiente, cuando llegan los amigos saco todo lo que necesito.
Primeramente, sobre el hielo bien duro echo unas gotas de vermouth y media
cucharadita de Angostura, lo agito bien y tiro el líquido, conservando
únicamente el hielo que ha quedado, levemente perfumado por los dos
ingredientes. Sobre ese hielo vierto el gin puro, agito y sirvo. Esto es todo, y
resulta insuperable."
Una historia excepcional. La historia de un
banquete. Noviembre de 1972. Luis Buñuel estaba en Los Ángeles. George Cukor
invitó a comer al aragonés. Nadie le dijo quiénes estarían.
Esta fotografía inmortalizó un evento histórico
en noviembre de 1972. Atentos a la alineación. De pie: Robert Mulligan, William
Wyler, George Cukor, Robert Wise, Jean-Claude
Carrière y Serge Silverman. Sentados: George Stevens, Rouben
Mamoulian, Luis Buñuel, Alfred Hitchcock y Billy
Wilder. Fritz Lang no pudo asistir. John Ford no salió en la foto porque se
retiró a las postres. Resumiendo, si alguien hubiera puesto una bomba en la
comida en la que Hollywood homenajeó a Buñuel, habría acabado con la Historia
del cine clásico. Lo cuenta Manuel Hidalgo en El banquete de los genios(Península)
Reseña de El banquete de los genios. Un homenaje a
Luis Buñuel, de Manuel Hidalgo
Reseña de El banquete de los genios. Un homenaje a
Luis Buñuel, de Manuel Hidalgo
MATERIAL SUPLEMENTARIO
“Mi último suspiro”:
Las memorias de Luis Buñuel
Esta autobiografía de Luis
Buñuel, escrita con la ayuda de Jean-Claude Carrière, es una demostración,
es una respuesta a la sempiterna pregunta sobre qué significa estar vivo. Sus
páginas nos conectan con nosotros mismos, hay una urdimbre inexplicable que nos
retrotrae a reflexionar sobre qué estamos haciendo con el tiempo que se nos ha
otorgado en este mundo tan extraño. Se produce una conexión misteriosa e
irresistible entre libro y lector, y Buñuel, una vez más, como maestro en el
arte de contar historias, sabe cuál es el tono más adecuado y qué ritmo seguir
para ir llevándonos de la mano en su recorrido vital.
Una característica de Buñuel que
nos sorprende en Mi último suspiro (título original: Mon
dernier soupir) es su capacidad de describir la idiosincrasia de las ciudades
y de los países mientras nos relata qué hizo en tal o cual café, a quién vio,
con quién trabajó o nos narra con pelos y señales una noche de parranda con los
amigos. Buñuel nos ofrece en este libro su capacidad de síntesis, quizá innata,
quizá construida con los años, y la virtud de posar la mirada sobre lo
esencial. De esta manera, la lectura de estas memorias procura una visión
sumamente enriquecedora del apabullante siglo XX.
Para terminar, como epílogo a la aventura y al dinamismo de su vida, en unas páginas (2) de gran carga poética que rehúyen el estilo comúnmente asociado a la expresividad lírica, Luis Buñuel nos confiesa qué siente en ese trance que es la vejez y qué hace, cómo pasa sus días, mientras se prepara para morir puesto que este “Ateo gracias a Dios” desea que la muerte le sobrevenga mientras la mira de frente.
Estanislao M. Orozco
http://www.estanislaomorozco.blogspot.com.es
NOTAS
(1) Un año antes de su muerte, acaecida en México el 29 de julio de 1983.
(2) Se trata del último capítulo del libro, titulado “El canto del cisne”.
Del Surrealismo al Realismo Mágico
Alejo Carpentier, estuvo vinculado al movimiento surrealista francés en los años treinta. El cine de los ´50: el surrealismo cinematográfico llega a este grupo de artistas e intelectuales latinoamericano por la versión de Luis Buñuel de la etapa mexicana, durante la cual entabló amistad con escritores como José Donoso, Gabriel García Márquez, Julio Cortazar y Carlos Fuentes.
El boom de la literatura Latinoamericana
Características
- Incorporación de procedimientos narrativos de
la literatura inglesa y norteamericana
- fragmentación de escenas
- el monólogo interior
- la mirada retrospectiva
- preocupación y una audaz crítica social
revela un lirismo lleno de vigor
- deja atrás el tipo de regionalismo utilizado
por los escritores de la época de la revolución sus trabajos representan
importantes reflexiones para comprender la vida de su país y la nueva
novela hispanoamericana.
Alfredo Ripstein
Jr. y Arturo Ripstein hicieron parte de su carrera juntos.
A Arturo el cine que lo
atrae está encarnado por Luis Buñuel, un cine de autor. El productor Alfredo
Ripstein, cultiva un cine de géneros.
El fenómeno de filiación
surge después de que el cine cumple su primer medio siglo y tiende a
multiplicarse.
En Argentina, Leopoldo
Torre Nilsson aprende el oficio de su padre Leopoldo Torres Ríos. En Brasil,
los dos hijos del productor Luis Carlos Barreto, Bruno y Fabio, tuvieron
facilidades para empezar como directores, etc.
La filiación conflictiva
de Arturo Ripstein va a desembocar en la convergencia con su generación y en la
adopción de una figura paterna de sustitución, Luis Buñuel, durante la fase de
distanciamiento…provocada por los siguientes pasos de su carrera en la vieja
industria, después de un debut prometedor.
1965 Con esta experiencia
y dos cortometrajes realizados en su adolescencia, realizó su debut como
director de cine a los 21 años. Su padre había adquirido los derechos de un
guión escrito por Gabriel García Márquez, titulado El charro,
y le confió la dirección con la condición de que lo convirtiera en un western,
género de marcada popularidad en aquellos años.
El resultado fue Tiempo
de morir (1965), que contó con la colaboración de afamados personajes, como
el escritor Carlos Fuentes, el fotógrafo Alex Phillips, el editor Carlos Savage
y el ya mencionado García Márquez.
Aunque Ripstein no
participó en ninguno de los concursos, ni era egresado del CUEC, la renovación
de las filas del anquilosado gremio de directores era una necesidad imperativa
y su atrevido debut fue recibido muy favorablemente.
Una de las principales
características de los nuevos cineastas mexicanos revelados por el primer
Concurso fue justamente la relación de trabajo con una serie de escritores,
tales como García Márquez, Juan Rulfo, José Emilio Pacheco, Carlos Fuentes
(cuatro colaboradores e inspiradores de Ripstein)…
ARTURO RIPSTEIN,
Paranagua, Pablo Antonio, Ediciones Cátedra, Madrid, 1997
Si el nuevo cine
Latinoamericano busca ponerse a tono con la literatura del “boom”, quizás eso
se deba a que la recíproca es verdadera: futuros escritores y cineastas se
formaron en los mismos cines – clubes, compartieron películas y lecturas. De la
pantalla al texto: influencia del cine en la narrativa mexicana del siglo
veinte,
J. Patrick Duffey, UNAM,
1996
"Tiempo de morir" de Arturo Ripstein se
exhibirá en Cannes
En cine nos vemos - Tiempo de morir - Arturo
Ripstein, 1966
Ripstein: el
heredero de Buñuel
- El cine de Ripstein en Diálogo constante con escritores Latinoamericanos y Extranjeros.
- Rasgos estilísticos y formales, que la
cinematografía de Ripstein toma la obra fílmica buñueliana: el plano
largo y el plano-secuencia, los movimientos de cámara que siguen
los movimientos de los personajes.
- Opciones genéricas y temáticas, subversión
del melodrama. Su temática recurrente: la violencia -contenida o
manifiesta- que inevitablemente conduce al punto final, a la fatalidad; la
familia como marco de relaciones y sentimientos (el padre ausente o
presente, determinando la vida de forma intolerante; la madre que fracasa
en la reconciliación de su familia); el universo femenino -cargado de
imágenes duras y terribles-; y la cárcel -realidad o metáfora-, o lo que
supone el aislamiento, el vacío tanto personal -de destrucción- como
espacial (en este sentido, Ripstein aprovecha el espejo -los espejos- para
reforzar el paso del tiempo, consolidar orgullos o permitir modificar un
espacio determinado). Raíces que, en definitiva, perfilan los rasgos más
diversos y complejos de las pasiones humanas.
El lugar sin límites (1978, Arturo Ripstein) -
Trailer
Profundo Carmesí Trailer
Planosecuencia "Así es la vida" Arturo Ripstein
(2000)
Las razones del corazón - Trailer español
LA CALLE DE LA AMARGURA – Tráiler
LA CALLE DE LA AMARGURA, reportaje Arturo Ripstein
Y Paz Alicia Garciadiego
Paz Alicia
Garciadiego: La belleza de lo sórdido
Paz Alicia Garciadiego: La belleza de lo sórdido
1985 un año crucial para
Arturo Ripstein, pues conoce a quien se convertiría en su esposa y guionista de
cabecera, Paz Alicia Garcíadiego, iniciándose una fructífera simbiosis que
regalaría cintas llenas de personajes en situaciones límite, con escenarios barrocos
cargados de drama y angustia.
Según Garcíadiego, cuando
se conocieron encontraron afinidades y al principio no hablaron de cine, sino
de la vida misma; Ripstein le pidió unos guiones para televisión que nunca
cuajaron, sería hasta “El imperio de la fortuna” (1986) que comenzarían su
camino juntos en la historia del cine.
Basada en un cuento de
Juan Rulfo, “El imperio de la fortuna” narra la historia de un humilde
pregonero que vive dentro de la inestabilidad del azar, obteniendo un gallo
moribundo al que cura y lleva a pelar, siendo el ave una metáfora de sus
momentos de gloria y de su inevitable desgracia dentro de un peculiar triángulo
amoroso.
Como defender la honra de una hija
A partir de esta película
la mirada de los personajes femeninos serán los de mayor peso protagónico.
TV UNAM
El cineasta Arturo Ripstein conversa con Roberto Fiesco sobre su trayectoria y sus obras cinematográficas más importantes.
BIBLIOGRAFIA COMPLEMENTARIA
TV UNAM
El cineasta Arturo Ripstein conversa con Roberto Fiesco sobre su trayectoria y sus obras cinematográficas más importantes.
Arturo Ripstein, orígenes 1º parte. Cinema 20.1 con Roberto Fiesco
Arturo Ripstein, orígenes 2º parte. Cinema 20.1 con Roberto Fiesco
BIBLIOGRAFIA COMPLEMENTARIA
http://www.panoramadelarte.com.ar/hamal/pdf/mexico-ripstein.pdf
Antes
de entrar en materia, tenga en cuenta las siguientes instrucciones para la
correcta utilización de esta tarea:
1.°
Trate de responder a cada una de las preguntas subrayando de la respuesta que
se sugieren, la que considere cierta después de haber leído la clase a las que
corresponden y si la respuesta no la encuentra deberá investigar por su cuenta
la respuesta.
2.° Es posible que tenga que visualizar y analizar
una película, en principio se le ofrecerán una guía de preguntas
que le servirán para el análisis y punto de vista que desde el que se requiere
dicho análisis.
1 - En qué fecha el
presidente Porfirio Díaz, su familia y miembros del gabinete presenciaron por
primera vez las imágenes en movimiento proyectadas por dos enviados de los
Lumiére en uno de los salones del castillo de Chapultepec.?
Subraye lo que
corresponda
9 de julio de 1900 - 6 de agosto de 1896
– 24 de diciembre de 1895 - 18 julio de 1896
2 - En México, durante la década del ´10, se
popularizó el documental de la revolución. Cada bando contaba con su escuadrón
de camarógrafos. Con que empresa cinematográfica pactó el ejército de Pancho
Villa para que filmara sus batallas?
RESPUESTA.
3 - La revolución mexicana contribuyó al
desarrollo del cine nacional, cada grupo revolucionario contaba con sus propios
camarógrafos que luego harían ficción, es el caso de Enrique Rosas que en 1919
estrena “el automóvil gris”, que escena incluye el filme que lo destaca?
Subraye lo que
corresponda
Inclusión de efectos sonoros - escenas
verídicas del fusilamiento – escenas verídicas de un robo -
4 - En 1930, la presencia de Serguei
Eisenstein en México deja una marca visual imborrable en el cine
mexicano. En qué imaginario visual se inspirará para realizar su obra?
Subraye lo que
corresponda
Modelo clásico Hollywoodense – Muralismo
Mexicano – En el estilo cinematográfico de Griffith – En el expresionismo
alemán.
5 – La película, nunca completada por el
propio Eisenstein se llamaba ¡Que viva México!, planteada en cuatro
episodios: Sandunga, Maguey, Fiesta y Soldadera, con un prólogo y un
epílogo. Por favor elabore un breve análisis del episodio Maguey,
según el material aportado en el texto de la clase.
RESPUESTA
6 - El vigor nacionalista revolucionario
generó una respuesta de corte reaccionario, de carácter hispano católico y
antiyanqui, que idealizaba al régimen porfirista y al patriarcado rural de las
haciendas, dio el nacimiento de un género cinematográfico típicamente Mexicano,
como se lo conoció?
Subraye lo que
corresponda
Melodrama Campero – Comedia Rural –
Comedia Ranchera – Comedia Folclórica.
7 – Los años dorados del cine Mexicano
coincidieron con:
Subraye lo que
corresponda
La Revolución Mexicana – La Primera
Guerra Mundial – La Segunda Guerra Mundial – La Guerra de Vietnam.
8 – El género del Melodrama, desarrollado
durante la Época de Oro del cine mexicano contribuyó a la
colonización de un imaginario social. Que tendencias explotó este
género, dadas las características socioculturales de México?
Subraye lo que
corresponda
Melodrama Revolucionario - Melodrama
Indigenista - Melodrama Prostibulario - Melodrama de Madre –
9 - Luis Buñuel, cineasta de origen
español y perteneciente al movimiento surrealista europeo, llega
a México en 1946, después de 15 años de inactividad como director. El
sincretismo cultural mexicano le llevó a cuestionar desde su mirada el
funcionamiento de la sociedad. Qué sistema de poder componían lo que se dio en llamar
la Santísima Trinidad Buñueliana?
RESPUESTA:
10 – visualizar “La mujer del puerto”
(1991) de Arturo Ripstein
link a la película
A partir de estas Herramientas para realizar los trabajos prácticos
El modelo de análisis que
vamos a utilizar para trabajar con los textos fílmicos contempla las siguientes
instancias de elaboración:
- Ficha técnica
- Sinopsis
- División en secuencias
- Decoupage : El decoupage consiste en numerar cada plano y
describir: encuadre, altura de cámara, angulación, movimiento (el zoom se
considera movimiento) fotografía, sonido, etc. Y por supuesto, la mínima
descripción de lo que ocurre en dicho plano.
- Descripción de los recursos formales:
A - Como se estructura la historia.
B - Que diferencias se producen en cada capítulo.
C - A que nos referimos al afirmar que Ripsten
utiliza “políticamente” el género del melodrama, para decir lo que el género
nunca dice y para imposibilitar la impronta moralista típica del género. Como
lo transgrede? Amplíe el tema.
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